Si potrebbe dire che comunque la famiglia nonostante tutti i problemi, i litigi, i guai che si configurano al suo interno resta unita. Ma alla fine ci concediamo da essa con una morte – un suicidio – a rendere evidente che in tutte queste difficoltà non è possibile sopravvivere. E il mare, liberatorio come sempre, che accoglie il corpo del giovane violento suicida (figlio della madre che aveva dato il secondo figlio in adozione al fratello e che condivide con lui l’attrazione nei confronti della sorella). Il dolore riunisce poi tutti i personaggi, li fa riavvicinare. Ma non saprei ben dire di quale dolore si tratta:  la malattia del padre? Una delle sorelle all’ospedale? Il suicidio finale?

Il direttore creativo della Settimana Internazionale della critica aveva avvisato il pubblico prima della pellicola della difficoltà che si poteva avere a districare gli avvenimenti del film, ma non aveva ben quantificato la difficoltà. Anche Bellocchio racconta a episodi separati la storia di una famiglia a questa sessantaseiesima mostra internazionale ma lo fa con un’estrema dolcezza e precisione. L’idea all’incirca è la medesima ma trattata male in questo caso. Tzoumerkas non riesce a portare avanti il gioco in modo funzionale, avanti e indietro nel tempo senza una logica, senza nessun preavviso, mantenendo stesso registro. Il Dio del Caos è arrivato, è calato sul regista e sulla sceneggiatrice/attrice di questa pellicola e ha generato un nuovo figlio cinematografico intitolato Hora Proelefsis

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È una pellicola molto delicata quella della Delaporte, non emerge il bisogno di portare agli eccessi e a situazioni stereotipe la vicenda. La protagonista (la cui attrice si è presentata in sala vestita di piume nere) è una persona semplice che non riesce totalmente a comprendere le regole dello stare al mondo e della convivenza con gli altri. Una donna un po’ ignorante, sincera e bugiarda allo stesso tempo – mente senza cattiveria, quasi per necessità. Tony è un uomo forte, che ama la sua famiglia e il suo lavoro. Capace di mettersi in secondo piano per rendere felici quelli che si trova intorno e sempre pronto a lottare per le cause che gli premono. La regia è discreta, semplice, non si fa notare e la fotografia tenue, evita i contrasti cromatici. Il ritmo della storia, le musiche, i piani lunghi che seguono gli spostamenti in bicicletta dalla città al villaggio di pescatori, aiutano a dare respiro alla narrazione che incede con calma, senza forzature e eccessi. Permette agli eventi di evolversi, ai personaggi di conoscersi e agli eventi di dispiegarsi. Si prende il suo tempo.

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Un punto di vista molto interessante ed eticamente valido questo di Segre che potrebbe far conoscere agli italiani se non la verità – di cui nessuno può farsi portatore –  almeno un altro punto di vista diverso da quello che solitamente essi sono obbligati a sorbirsi, ogni giorno, dalle facce tranquillizzanti dei mezzi busti in tv. Discorsi che, però, comunicano unicamente parole d’odio e di paura, nati non dalla volontà giornalistica di capire la realtà che gli circonda ma imbeccati da altri con fini che prescindono quello informativo.

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Il film parla di un uomo, uno scrittore fallito che beve continuamente vino (pure più di sei bottiglie al giorno) e che da quando, cinque anni prima è stato lasciato dalla moglie, non ha più scritto nemmeno una parola. Così passa la sue giornate con un cestello del ghiaccio (come se fosse n bambino) contenente una bottiglia di vino binaco all’interno accudito da una vecchia domestica segretamente innamorata di lui. Un uomo suona improvvisamente al campanello della casa. È arrivato il cancro, al cervello. impossibile da sconfiggere, inoperabile, la morte è sicura. E si pavoneggia di questo lui: un uomo invisibile a tutti quelli che non amano veramente Charles, che rappresenta fisicamente/metaforicamente la malattia che affligge il protagonista della pellicola.  La governante (Louisa) ovviamente lo vede. lei è donna triste e profondamente innamorata, anche lei afflitta dalla stessa malattia del suo padrone anche se non al cervello ma al seno (e anche lei ha la sua donna cancro, meno eccessiva perché più facilmente “curabile”, ma ugualmente fastidiosa). Un po’ troia e un po’ pedofila (andrà a letto con il figlio adolescente di Charles), ma fondamentalmente bisognosa di affetto e contatto fisico. E poi c’è il figlio, la nuova fidanzata russa, l’ex moglie che si rifiuta di entrare dentro il cancello della casa. Casa in cui si svolge tutta la pellicola, un film claustrofobico (o claustrofilo) prima della chiusura e la fuga verso la liberta, e verso il mare.

Blier durante il suo discorso di apertura ha definito questa pellicola come un film sulla speranza. La speranza di combattere e fregare la morte e il cancro, forse. Quello che è certo che questo è un film che rappresenta in modo nuovo, particolare e sicuramente grottesco (pure un po’ troppo) la malattia, il dramma del cancro sui protagonisti e sulla famiglia di Charles. Però, perché c’è un però, la pellicola non riesce, troppo eccessivi e caricaturali sono i personaggi dei due cancri che, se inizialmente appaiono interessanti e (perché no) a tratti simpatici, finiscono con dare fastidio. Innovativa, forse troppo questa pellicola di apertura de le giornate degli autori. Interessante certamente, particolare ancora di più, imperfetta sotto molti aspetti, ma tutto sommato si lascia guardare senza far calare eccessivamente la palpebra.

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Devo essere sincero: ho commesso un errore, ho letto quel che il pressbook riporta sul film. Ho commesso cioè un gesto che andrebbe evitato di buon grado, così da eliminare alla base ogni tipo di condizionamento che alacri addetti stampa tentano di instillare nei loro pigri colleghi recensori per mezzo di quei documenti così ben impaginati. Come se ciò non bastasse, tutte le pellicole nelle parole dei loro realizzatori – sagacemente sintetizzate dall’ufficio stampa e inserite nei comunicati distribuiti ai giornalisti – risultano essere sempre migliori di ciò che in realtà esse non siano.

I pesci di cui Bize racconta sono in realtà gli esseri umani. Così come in un acquario quegli animali sono prigionieri di una gabbia, il vetro dell’acquario, che però non riescono vedere a causa della sua trasparenza, allo stesso modo noi siamo legati dalle convenzioni che ci limitano. La stessa vita umana è dunque per il regista cileno una prigione che racchiude il nostro essere e che non riusciamo più a distinguere, credendo, erroneamente, che le sbarre (o il vetro) che la compongono siano, in realtà, una parte di essa e non riusciamo a comprendere invece che si tratta di una costrizione che ci allontana dalla nostra vera essenza. Solo Andrés pare aver capito il segreto della vita e come uno squalo continua a nuotare ininterrottamente nel mare. Una volta tornato nell’acquario, si sente morire, un vero e proprio pesce fuor d’acqua.

Il film idealmente verte su queste tematiche sebbene, in realtà, racconti la storia di Andrés che tornato in Cile dopo circa dieci anni per chiudere alcuni aspetti della sua vita – vendere delle proprietà di famiglia – finisce per incontrare i suoi vecchi amici e, ovviamente, la ragazza storica che aveva deciso di lasciare per scoprire il mondo come reporter di servizi di viaggio.

Tutta la pellicola è girata come se lo spettatore assistesse a circa un’ora e mezza della vita dei protagonisti presentata senza la minima interruzione. Non è un caso che si parta dal commiato di Andrés ai suoi amici, deciso ad abbandonarli e a lasciare pure la festa di compleanno di uno di loro. Invece di andarsene il protagonista rimane ancora per quasi novanta minuti in cui, proprio come nell’Odissea, vaga per il mondo – qui le diverse stanze della casa – dove si troverà di fronte a persone del suo passato che dovrà affrontare e che gli appaiono come dei veri e propri fantasmi. Solo dopo quell’interminabile viaggio in uno spazio così ristretto, alla fine, Andrés comprenderà di essere solo. Il solo ad avere visto le sbarre della prigione nella quale tutti si sono rifugiati rinunciando a loro stessi.

E’ ovvio che la casa diventi la metafore dell’acquario – e dunque della prigione. Ciò è chiaro soprattutto dalla scenografia e dall’illuminazione che il regista ha deciso di adottare per l’ambiente. E’ inoltre chiaro il riferimento culturale all’opera omerica, sebbene priva dell’happy end. Infatti il protagonista non fa ritorno a casa ma continua imperterrito nel proprio viaggio in solitario, rivelatosi come unica possibilità di vita per l’inquieto protagonista.

In conclusione, forse, il ricordo ha migliorato la primissima percezione che mi aveva accompagnato all’uscita della sala e questo La vida de los pices può essere considerato, in effetti, un film che si merita la selezione nelle Giornate degli Autori.

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Il cortometraggio, racconta una storia di strada e di solidarietà. Parla, semplicisticamente (ma nello stesso semplicistico modo è stato presentato prima della proiezione), di come sia importante non lasciarsi andare alla violenza, accettare gli altri e rendersi conto che è importante essere solidali. A ricordarci questo sono due bambini (un maschio e una femmina), mendicanti e suonatori di strada che decidono di non vendicarsi del ladro della loro fisarmonica ma unirsi a lui, perché al mondo c’è sempre chi sta peggio di noi. Forse un po’ banale, ma è innegabile l’importanza di questo regista e del suo lavoro.

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Il motivo è presto detto: questo “felice poeta” risulta, tirando le somme, un po’ troppo scontato. L’argomento trattato è pure interessante ma lo svolgimento dei fatti raccontati è troppo “scolastico” troppo “prevedibile”. Ciò che manca alla pellicola, così come al suo protagonista principale, interpretato dallo stesso regista, è la verve.

Bill, un laureato in scrittura creativa, poeta mancato, mollato dalla donna, senza soldi e che si crede un fallito, tenta, come ultima possibilità di riscatto, di avviare un chiosco nel bel mezzo del parco principale di Austin, Texas, che venda al posto dei fruttuosi – per le tasche di chi li commercia – e poco salutari – per chi li mangia – hotdog solo cibo vegano e coltivato grazie all’agricoltura biologica. In questa sua avventura lo accompagnano due persone conosciute per caso, Curtis, in apparenza un perdigiorno, e Donnie, che si propone di consegnare le ordinazioni con il suo motorino ma che sfrutta in realtà il giro di clienti per spacciare erba. In questo orizzonte non poteva certo mancare una ragazza, Agnes, una delle prime clienti del chiosco, della quale il protagonista, ovviamente timido e introverso all’inverosimile, si innamora senza però trovare il modo di dirle ciò che prova. Come si vede i cliché sono ben evidenti e lo svolgimento del film non si discosta mai da quest’ultimi: né quando il traffico di droga viene scoperto, né quando la ragazza si allontana, né quando gli amici si rivelano tali e non di circostanza, né quando il perdigiorno si rivela un facoltoso figlio di papà un po’ hippy e sciroccato, né quando il cognato di quest’ultimo, un venture capitalist di professione, cerca un progetto da poter finanziare, progetto che non può essere altro che The happy poet, ovvero, il nome scelto per quello sgangherato carretto nato per vendere hotdog e trasformato in un piccolo punto di ristoro vegano contro ogni regola sia del buon senso sia degli affari.

Non tutto è da buttare come i primi clienti del chiosco fanno con il cibo di Bill. Sebbene si sia visto decisamente di meglio nel panorama indie a stelle e strisce ciò che di buono vi è nella pellicola di Gordon è senza ombra di dubbio uno scaltro uso della musica in chiave narrativa e, al contempo, per nulla classica. Quasi tutto il film è privo di una colonna sonora nella quale la musica accompagna con partiture scritte appositamente o canzoni edite i momenti salienti della vicenda. Qui gli unici “rumori” udibili dal pubblico sono delle note suonate al piano che danno il mood della scena durante la sua conclusione. Di solito la loro tonalità è bassa, greve, così come le fortune alterne del protagonista. Solo in determinati momenti queste note si uniscono per divenire una vera e propria partitura. Ad esempio quando, verso circa metà della pellicola, i tre riescono finalmente ad avviare il business. In quella sequenza tutti i suoni che lo spettatore ha udito fino a quel momento convergono assieme per creare un piacevole – e felice – brano musicale. Ciò si ripete anche nella seconda parte, quando però, si ha la sensazione, assai spiacevole, che il regista abbia voluto, accorciare troppo la storia. In cinque minuti cinque, infatti, si passa dal dramma alla risoluzione – un più che scontato happy end – in modo assai troppo repentino e la frase finale di Bill che pensa tra sé di non essere mai stato più felice in tutta la sua intera vita, suona assai stonata, come le note singole che Gordon aveva brillantemente deciso di utilizzare.

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SVINALANGORNA di PERNILLA AUGUST
Svezia, 92′

HAI PAURA DEL BUIO di MASSIMO COPPOLA
Italia, 90′

ANGÈLE ET TONY di ALIX DELAPORTE
Francia, 85′

MARTHA di MARCELINO ISLAS HERNÁNDEZ
Messico, 77′

LIMBUNAN [FILM DI CHIUSURA – FUORI CONCORSO] di GUTIERREZ MANGANSAKAN II
Filippine, 82′

NOTTE ITALIANA (1987) [FILM D’APERTURA – EVENTO SPECIALE] di CARLO MAZZACURATI
Italia, 93′

OCA di VLADO ŠKAFAR
Slovenia, 70′

HORA PROELEFSIS di SYLLAS TZOUMERKAS
Grecia, 105′

HITPARZUT X di EITAN ZUR
Israele, Francia, 102′

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