Saverio Costanzo compie di base quella che è una pratica usuale di ogni adattamento, ovvero tagliare. Tagliare parti, argomenti, personaggi e situazioni. Il tutto per cercare (secondo le sue dichiarazioni) di costruire una sorta di Horror. Però facendo questo sbaglia. Non solo nella sua visione orrorifica della storia ma pure e soprattutto nella scelta di cosa far vedere e cosa tralasciare. Sbaglia nel voler tratteggiare la psicologia dei due personaggi limitandosi a delle vicende distanziate dieci anni l’una dall’altra.  Facendo questo elimina totalmente la questione psicologica dei due personaggi, l’evoluzione del loro carattere e dei loro problemi derivati da i loro rispettivi traumi infantili. Altro argomento totalmente cancellato è il rapporto di amicizia che dalle scuole superiori si instaura tra i due, a partire dalla festa (scena infinita del film) fino alla partenza di lui per la Germania. Sembra quasi che si dia maggiore importanza al rapporto che Alice ha con il personaggio marginale di Viola rispetto a quello con Mattia. Totalmente tagliati sono i giochi dei due in camera di lei, così come tutti i capitoli successivi alla partenza di Mattia per la Germania. Sia le esperienze e amicizie estere di lui, sia il matrimonio con Fabio e l’anoressia di lei.

Costanzo praticamente mette in scena un “horror” – ma in realtà lo è solo nella sua colonna sonora, utilizza pure il tema de L’uccello dalle piume di cristallo – con due sociopatici come protagonisti. Due sociopatici macchiette, piatti e insipidi, per nulla interessanti e pure un po’ male interpretati. Alcune inquadrature e azioni dei due personaggi appaiono quasi ridicole, così come tutta la scena al matrimonio della ex compagna di classe Viola. Questa scena tra le altre cose appare pure del tutto gratuita.  La pellicola dura circa centoventi minuti e non riesce, nonostante la lunga durata, a raccontare pienamente nessuna storia. Non riesce a indagare nell’interiorità dei due personaggi e a raccontarne l’evoluzione. Si limita a far vedere le cose con un occhio eccessivamente oggettivo, in pieno contrasto con la forma di narrazione in prima persona del libro.

La solitudine dei numeri primi è stato accolto alla proiezione stampa da una serie di fischi a fine pellicola, e non stento a capirne il motivo. Quello che non riesco a capire è come sia possibile che un film del genere si trovi in concorso.

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La Tsangari mette in scena un film composto in maggioranza da inquadrature fisse o che si muovono su carrelli lasciando agli attori una libertà di movimento totale all’interno di queste. Movenze che o sono portate all’estremo, in modo quasi schizofrenico – come quando i personaggi imitano i versi e i gesti degli animali oppure quando le due ragazze, giocando, camminano seguendo lo stesso ritmo ed effettuando gli stessi identici passi – oppure rasentano un’immobilità quasi totale. Tutto ciò potrebbe portare la maggioranza degli spettatori a ritenere noioso ciò che vede – come i voti abbastanza bassi dei critici dei maggiori quotidiani apparsi sul Daily di Venezia paiono dimostrare – ma un ritmo così lento appare necessario per raccontare una storia che, in fin dei conti, non è altro che un conto alla rovescia verso la morte. Più la protagonista accompagna il padre nel suo “ultimo viaggio” più lei scopre la vita. E’ come se riuscisse a tagliare per la prima volta il cordone ombelicale che la lega alla propria famiglia e che fino a quel momento le ha impedito di essere indipendente e di diventare una donna, lasciandosi alle spalle la propria condizione infantile.

E’ interessante notare come dalla Grecia provengano sempre più storie che raccontano un mondo per certi versi anormale, se non addirittura malato. Il più delle volte il seme di questo malessere viene coltivato nell’ambito della famiglia. Era così in Dogtooth, è così in Attenberg. Vi è però una differenza: se nel primo le colpe dei padri ricadevano inesorabilmente sui figli, nel secondo queste vengono lavate attraverso la morte alla quale spetta una funzione catartica. La speranza ha fatto, finalmente, capolino.

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Per la lunga durata della pellicola si può ipotizzare un’uscita in almeno due puntate sulle reti televisive Rai, produttrice della pellicola sebbene il consiglio di chi scrive è quello di andarlo a vedere al cinema, senza farsi spaventare dal minutaggio imponente. Nonostante le lunghe scene di dialogo, il lungometraggio non annoia in nessun caso il proprio spettatore che, anzi, dopo quasi tre ore e mezza fuoriesce dal buio della sala decisamente colpito ed estasiato.

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Ambientato tra l’inizio del regime franchista e la sua fine, il film parla (all’incirca) di un figlio d’arte. Unico erede di un clown felice (quello che fa ridere i bambini umiliando il clown tonto). Il padre muore all’inizio del film e il giovane Javier decide di seguire le orme del genitore diventando un clown anche lui. Non quello felice, ma quello tonto, perché lui non è mai stato bambino e quindi non è capace di far ridere e divertire gli altri. Così si unisce a un circo e si esibisce con loro. Però non è un circo normale, è popolato da strani figuri, pazzi, ubriaconi, autolesionisti e molesti. I due più significativi a livello della storia sono una bellissima donna acrobata e il clown felice. Due squilibrati: uno ubriacone e violento, l’altra masochista e un po’ sgualdrina. Lui si innamora, distrugge il volto al rivale, scappa nel bosco, morde Francisco Franco, si cuce un abito mezzo da arcivescovo mezzo da clown e inizia ad ammazzare allegramente gente, fino ad arrivare allo spettacolare scontro finale. A metà film la sensazione era di spaesamento: ma che sta succedendo? Dove andiamo a parare? La sensazione a fine film è similare.

Il problema della pellicola di De La Iglesia è che è un grande gioco e nulla più. O meglio può raccontare qualcosa di più, ma quell’in più non è nulla di eccezionale. Sinceramente i clown sfregiati li abbiamo già visti, e per quanto l’iconografia dei paglliacci cerchi di spalmarsi più in generale sulla Spagna franchista che, malata, impazzisce e perde il senno. I due clown e la bella acrobata si sfregiano e vengono sfregiati durante il film, così come Franco viene morso da Javier e Salsedo perde l’occhio nella primissima parte del film, e tutti si collegano sotto il segno dello sfregio e della follia omicida e distruttiva. Il film però non risulta essere veramente interessante sotto questo aspetto tematico. È pacchiano, kitsch e eccessivo, quasi fastidioso in certe parti.

Curiosità finale: il titolo del film (come si evince da certe scene della pellicola) è il titolo di una canzone omonima di Raphael. Il video che viene proiettato sia nel cinema che nella grotta è tratto da un film spagnolo del 1970 di Vincente Escrivà intitolato Sin un Adios, in cui Raphael “canta, bala e se ennamora ”.

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Quasi tutta la stampa presente ha attribuito una stellina alla pellicola mentre solo uno sparuto numero di colleghi, così pochi da non riempire neanche le dita di una mano, lo ha premiato con il massimo dei voti, cinque. Ciò dimostra come Promises written in water sia un film che o si ama o si odia. Innegabile constatare come la seconda delle due opzioni appaia, dai primi sondaggi, la più plausibile.

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Come ho accennato all’inizio Essential Killing è una pellicola inquietante. Sebbene il ritmo sia tutt’altro che sostenuto, lo spettatore non riesce mai a staccare lo sguardo dallo schermo in preda all’angoscia che le immagini gli comunicano. Non solo, la scelta del regista di non far pronunciare neanche una battuta al personaggio di Gallo, rende ancora più disperata una situazione già di suo, per l’appunto, angosciosa. Si ha fin da subito la sensazione che il destino del protagonista sia segnato fin dall’inizio, che la sua fuga non possa portare a nulla se non alla propria morte, ma, nonostante tutto ciò, non si riesce a non farsi prendere dal film. E’ proprio la certezza di assistere a un calvario, a una passione di un uomo dal destino oramai pesantemente segnato, a rendere il film inquietante e, per questo motivo, interessante e certamente non banale né noioso – sebbene qualcun altro affermerebbe l’esatto contrario.

Si possono però fare due appunti. Il primo riguarda i sogni del protagonista, incentrati tutti sulla moglie e il figlio che aveva in Afghanistan  e che vengono percepiti come non necessari al racconto. Il secondo, invece, vuole porre qualche dubbio sulla figura della donna che lo accoglie nella propria casa, una presenza che appare fin troppo meccanica e decisa a priori dagli autori, non una scelta di cuore dettata dal carattere del personaggio. Nonostante queste note, però, Essential Killing si rivela un buon film che potrebbe regalare a Gallo il premio come miglior attore.

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Come dicevo brevemente a Rolling Stone non si giustifica la presenza del film di Tsui Hark se non con una scelta politica, ovvero quella di non poter rifiutare “un nome conosciuto”, soprattutto se presente con una pellicola che in teoria avrebbe il compito di far divertire e distrarre in particolar modo coloro i quali lavorano come recensori. Visto che, con ogni probabilità, il film verrà distribuito nel nostro paese, personalmente mi sento di sconsigliarlo e di risparmiare i soldi per qualcosa di assai più meritevole. Non ci vuole molto a trovarlo.

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La pellicola non risulta essere affatto male sebbene, nonostante la tutt’altro che eccessiva lunghezza, a tratti risente di una lentezza un po’ troppo marcata. Appare però interessante quest’idea di destrutturazione del mito americano, in primo luogo di quello Western che altro non è che la trasposizione a livello cinematografico del periodo più “eroico” dell’intera storia a stelle e strisce, del momento più fondativo della nazione. Infatti la Reichardt ci mostra una micro società in cui sono le donne e i nativi ad apparrire come i caratteri positivi e non certo i cowboy alla Meek che si mostra, in tutto e per tutto, solo come un cialtrone pieno di risentimento verso coloro che sono diversi da lui e il suo mondo, sempre pronto a utilizzare la violenza che in fin dei conti è l’elemento che più ha caratterizzato il periodo della frontiera. Viene inoltre messa in discussione l’idea di nuova Israele, di nuova terra promessa da conquistare, che quasi tutti i coloni possiedono – come s’intuisce dalle tante letture bibliche nelle quali s’immergono e che si focalizzano proprio su quell’aspetto – e che rispecchia in modo particolare il pensiero di Meek. Solo la donna che ha difeso l’indiano e suo marito appaiono non condividerle, e operano in senso opposto a quello proprio dei coloni: cercano un dialogo con ciò che è diverso da loro non lo scontro. Un vero e proprio capovolgimento di campo.

In fin dei conti la tematica del film non è nuova ma l’idea e la realizzazione risultano assai ben riuscite. I numerosi applausi alla fine della proiezione stampa hanno sottolineato la buona accoglienza della pellicola, che si debba tenerla in conto per uno dei premi maggiori?

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Potiche è una pellicola divertente perché fa dell’esagerazione il suo stile, portando all’esasperazione i caratteri che la animano e che assumono solamente il ruolo di maschere senza alcun spessore: il marito padrone borghesotto e fedifrago, la moglie bella statuina di porcellana (la Potiche del titolo) che accetta supina ogni sopruso del cogniuge ma che in realtà si rivela alquanto diversa da ciò che appare, il rivoluzionario politico di sinistra che flirta con i borghesi che dovrebbe combattere, la figlia del padrone schizzinosa e con la puzza sotto al naso e il fratello di sinistra animato da velleità artistiche. La vicenda è alquanto semplice: la moglie prende il posto del marito alla direzione della fabbrica di ombrelli – appartenuta alla famiglia della donna fin dai tempi del proprio padre – e rivoluziona il modo di produrre, riappacificando la proprietà con gli operai. Ciò la porta a riscoprire la propria femminilità e a ricercare una propria indipendenza.

Ozon racconta tutto ciò come se gestisse una commedia dell’arte nella quale i personaggi agiscono secondo schemi pre-costituiti. In effetti, non vi è spazio reale per una presa di posizione critica nei confronti dell’indipendenza femminile, del maschilismo o delle abitudini lascive dei protagonisti. Tutti questi elementi non sono mai messi in discussione ma solo gestiti come eventi che accadono e basta, come se qualcun altro avesse deciso dall’alto di farle accadere. La pellicola è ambientata negli anni Settanta e tutto lo stile rispecchia quel periodo storico. Anche a livello registico si trovano inserti, soprattutto splitscreen, che si rifanno stilisticamente a quell’epoca. Il regista francese però muove la macchina da presa secondo i canoni contemporanei e anche la fotografia appare più quella di un film americano di oggi che non quella di uno francese oppure di una pellicola dei Settanta.

Accolto da uno scroscio di applausi davvero imponente alla fine della proiezione di metà mattinata dedicata alla stampa Potiche rischia di divenire anche un successo di pubblico una volta distribuito nel nostro paese. Se è facile predire fortune al botteghino nella natia Francia, dove è atteso nelle sale dal mese di Novembre, proprio la sua smodata ironia potrebbe spingere il pubblico italiano a verso un proficuo passaparola tale da renderlo uno dei successi della prossima stagione. Da tenerlo segnato.

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Questo nuovo lungometraggio – che vede protagonista Silvio Orlando e annovera nel cast anche Giusepper Battiston,  Kasia Smutniak, Cristiana Capotondi, Stefania Sandrelli e Corrado Guzzanti – è una commedia davvero divertente sebbene dotata di un retrogusto amaro, seguendo così il mood della maggioranza delle produzioni firmate dalla coppia di lunga data composta dal regista di Padova e dal suo amico e storico compagno di lavoro Umberto Contarello, qui aiutati da Doriana Leondeff e Marco Pettenello. La storia è la vicenda di un regista in crisi creativa da diversi anni che si trova catapultato, per un imprevisto, nella bassa Toscana, dove finirà per trovarsi a dirigere una rappresentazione della passione di Cristo durante il Venerdì Santo. Tutte le vicende che gli capiteranno in quei giorni – dall’allestimento della rappresentazione contro la propria volontà, al fallimento nel convincimento di un’attricetta delle fiction televisive a partecipare al suo prossimo progetto, fino all’incontro che con una donna dalla quale è attratto ma con cui non riesce a farsi avanti – saranno importanti per rimettere su un binario giusto la sua esistenza deragliata da diverso tempo ormai.

Mazzacurati realizza un film di ottima fattura che si pone alla giusta distanza dal proprio oggetto d’indagine: la passione di un uomo che muore e torna alla vita. L’uomo in questione non è solo il regista interpretato da Orlando ma anche i personaggi di Battiston e della Smutniak, possono essere considerati delle figure cristologiche, ovvero morti che  hanno abbandonato la loro vecchia esistenza e sono risorti a nuova vita. Una passione che non scade mai nel patetico né nel gratuitamente doloroso. Anche i colpi più bassi che la vita riserva a loro sono affrontati con il sorriso sulle labbra, soprattutto da coloro che dovrebbero, al contrario, sentirsi più giustificati nel lamentarsi per ciò che è stato loro riservato.

A livello estetico il film ricorda decisamente una pellicola assai nota, ovvero La Ricotta di Pier Paolo Pasolini. Mazzacurati non cerca quella stessa precisione artistica del mediometraggio del poeta friulano né tenta di ricostruire, non riuscendosi, rappresentazioni sacre e immobili con la pellicola 35mm, ma l’atmosfera, il taglio delle inquadrature utilizzato e, in particolare, gli eventi che accadono – dalle risa di scherno del popolo alla pioggia catartica finale – ricordano il capolavoro pasoliniano. Merito, forse, anche del lavoro di Luca Bigazzi, il miglior direttore della fotografia presente oggi nel nostro paese.

La pellicola è stata accolta da molti applausi questa mattina alla proiezione per la stampa e tutti i biglietti destinati alla vendita per il pubblico, sia in Sala Grande per la proiezione ufficiale sia al Palabiennale, sono andati esauriti in mezz’ora. Probabilmente tornerà a casa a mani vuote ma è indubbio come La Passione meriti di essere visto da parte del pubblico pagante a partire dal 24 di Settembre al cinema distribuito da Fandango.

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