Quello che c’è di nuovo in questa pellicola è forse l’ambientazione. Solitamene in questo tipo di pellicole i bambini e le famiglie protagoniste soggiornano in pensioni o in appartamenti, mentre in questo caso tutte le vicende si svolgono in un campeggio sul mare nella zona dell’Argentario. Protagonista è un ragazzino problematico che è in vacanza con il fratello e i due genitori, che però sono in profonda crisi. Il padre è un violento, prepotente, maleducato e brusco e la madre non riesce a trovare la forza di lasciarlo. Assieme al fratello conosce un altro ragazzino e due bambine (i due personaggi più grandi di questo gruppetto hanno circa dodici anni) con i quali si divertiranno a giocare a una specie di guardia e ladri e a fare piccoli esperimenti. Tra il protagonista e una delle due ragazzine Svizzere di lingua francese nascerà pure una piccola storia d’amore. Gli spunti per fare un film dignitoso c’erano.

Il problema è che la sceneggiatura è mal costruita, i dialoghi sono a dir poco imbarazzanti. I personaggi mancano di profondità e gli attori non riescono a fornirgli la minima credibilità. Gli adulti molto più dei bambini sono veramente caratterizzati come dei perfetti imbecilli che non sembrano avere idea di come si sta al mondo. Il padre ad esempio è vestito e truccato come il classico uomo povero spaccone e violento, un po’ a rocker con sempre una sigaretta in bocca e la faccia arrabbiata. I bambini con i loro giochi non sarebbero nemmeno così tanto terribili se solo avessero avuto delle battute migliori da recitare. Il problema di questo tipo di film è che per ricercare la massima verosimiglianza dei dialoghi, cercando di ricalcare come veramente le persone parlano, finiscono solo con rendere estremamente banali e ridicole le parole che mettono in bocca agli attori.

Aspetto invece probabilmente interessante di questa pellicola è il suo pressoché totale anacronismo. La storia, le ambientazioni, il tipo di personaggi e le musiche sembrano usciti da un vecchio VHS registrato in televisione negli anni novanta più che nella contemporaneità. Ancora un riemergere nostalgico di quel decennio nel cinema non è iniziato (ultimamente sono gli anni ottanta a essere al centro della memoria e delle nostalgie cinematografiche, e da un bel po’ di tempo a questa parte, gli anni settanta). Tuttavia potrebbe pure darsi che questo anacronismo non fosse minimamente ricercato e quindi non sia un pregio direttamente ascrivibile alla pellicola e al suo regista.

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Questo film in un certo senso risponde a questa domanda mostrando quattro coppie di luoghi posizionati l’uno agli antipodi dell’altro (ma non con una corrispondenza temporale). Ovviamente la scelta delle location è decisiva: visivamente spettacolari, paesaggi incredibili e individui particolari. Così l’Argentina si confronta con la Cina, il Cile con la Russia, le Hawaii con il Botswana e la Spagna con la Nuova Zelanda. In Argentina incontriamo due strani personaggi che si occupano di tenere funzionante un ponte che galleggia su un fiume e prenderne il pedaggio, mentre nella Shangai cinese motorini che trasportano persone e carcasse di maiale immersi in  una nebbia che di tanto in tanto offusca totalmente la macchina da presa. Il Cile e la Russia vedono paesaggi freddi e invernali e popolati da massimo una due persone protagoniste, e in qualche modo sono gli antipodi più simili tra di loro – il contrasto è principalmente cromatico. Alle Hawaii vediamo lava colante e persone che vivono in terreni neri fatti di magma solidificato, mentre in Botswana con occhi quasi fanciulleschi osserviamo un piccolo villaggio con elefanti, giraffe e leoni che vi si muovono attorno. Infine in Spagna, diversamente da cosa ci si può aspettare, arriviamo in un bosco popolato esclusivamente da insetti, mentre il Nuova Zelanda assistiamo alla sepoltura di una balena morta in seguito a un arenamento.

Tutto questo è messo in quadro con estrema maestria dal regista ma che corre il rischio di essere un po’ troppo  letterale con le metafore visive che costruisce. Bello vedere un paesaggio sottosopra per introdurre al primo antipodo, ma alla lunga diventa un espediente noioso e troppo ripetuto. Pure girare di novanta gradi l’inquadratura è un giochetto carino per le prime due volte, ma poi finisce con lo stancare. Una pellicola comunque interessante per l’obiettivo che si pone, riuscire a unire luoghi così diversi tra loro non è facile e la colonna sonora aiuta molto nella costruzione di questa suggestione. Ma il gioco non riesce a durare perfettamente nemmeno per una sola ora e quaranta.

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Se proprio si volesse dare dei riferimenti creativi alla pellicola si può richiamare alla memoria il film di Antoine Fuqua Brooklyn’s Finest presentato qui l’anno scorso, sempre fuori competizione – e purtroppo mai distribuito in Italia nonostante il cast di stelle – ma non certo il lungometraggio di Garrone Gran Premio della Giuria a Cannes 2008. Il perché è presto detto. Il racconto di Affleck è una tipica vicenda americana. Non vi è una vera intenzione di racconto di un mondo – quello dei ladri del quartiere periferico di Boston conosciuto come Charlestown, una specie di Bronx irlandese della città del Massachussets – che è il fulcro sia del romanzo di Saviano, sia del film di Garrone, nonostante anche questa pellicola sia tratta da un libro, Prince of Thieves di Chuck Hogan. La storia si concentra maggiormente su un personaggio, un rapinatore di banche e furgoni portavalori che dopo l’ennesimo colpo comprende che il suo unico desiderio è quello di abbandonare quella vita e ripartire da zero lontano da quel mondo che non sente più come la propria casa. Lo spettatore si trova dunque di fronte a ciò che si aspetterebbe sin dall’inizio, ovvero, una pellicola Hollywoodiana in cui azione e romance la fanno da padrone. A essere sinceri si deve dire che si è visto di meglio, non solo al Lido. Primo fra tutti quel Brooklyn’s Finest che si citava in precedenza e che, d’altra parte, presenta diverse peculiarità che lo rendono una pellicola non poco interessante. In The Town tutta la prima parte del film si attiene al compitino, senza mai tradire le aspettative dello spettatore e, per questo motivo, annoiando non poco. Solo nella seconda, precisamente gli ultimi quaranta minuti, il ritmo si fa più sostenuto e sebbene non si esca mai dai cliché la narrazione riesce a catturare maggiormente lo spettatore. Se nel film di Fuqua era proprio il gioco sui cliché a rappresentare l’elemento più particolare, Affleck non si applica minimamente a cercare una via un minimo originale. Peccato, purtroppo, perché per il soggetto e la tematica sarebbe potuto essere pure una pellicola interessante, visto anche il cast che oltre all’attore e regista vede la presenza della bella Rebecca Hall. Per chi fosse interessato in uscita a Ottobre nel nostro paese.

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All inclusive racconta la storia di una ragazza che viene assunta in un albergo come cameriera. Lava i bagni, pulisce le camere, fuma sigarette, sposta vasi, mangia un tramezzino, attacca palloncini per il cenone di capodanno, guarda il cuoco cucinare, apparecchia i tavoli, porta via le lenzuola sporche dalle stanze, assaggia della carne, guarda gli ospiti dell’albergo giocare a tombola, dorme nella stanza delle caldaie, e alla fine si concede tre pacati e statici omicidi. Questa pellicola riduce al minimo l’elemento narrativo, praticamente non succede nulla per i tre quarti del film e pure gli omicidi finali sono fatti senza lotte eccessive, ripresi con la camera fissa (come pure tutto il resto della pellicola).

Quello che rende All inclusive interessante è il fatto che per controbilanciare questa assenza e minimalismo narrativo, viene posto un eccesso sensoriale a livello visivo, uditivo e, in un certo senso, pure tattile. L’uso del 3D e la messa in scena del film infatti contribuiscono a rafforzare la percezione visiva dello spettatore, a intensificarla. Lo stesso vale per la colonna sonora composta esclusivamente da rumori di sottofondo innalzati fino a rendere udibile qualunque fruscio e impercettibile suono. Questa sensazione uditiva, in certi casi specifici contribuisce pure a fornire un impressione tattile degli oggetti che i personaggi del film stanno toccando. Mi riferisco in particolar modo alle scene in cucina in cui il cuoco manipola il pesce per la cena. Questo aspetto rende almeno una parte di questa pellicola interessante, anche perché il resto poi non riesce a dire molto. Il film è noioso, e dura solamente settantacinque minuti che paiono però interminabili. Il giochetto concettuale è evidente e comprensibile già nei primi dieci minuti di pellicola. Quindi possiamo azzardare a dire che All inclusive poteva essere un ottimo cortometraggio, ma che purtroppo è stato deciso di allungarlo, stiracchiarlo trasformandolo in un lungometraggio che non riesce a divertire e porta pian piano lo spettatore alla fase rem.

In sala eravamo in venti circa, alla fine della proiezione non c’è stato nemmeno un timido applauso. Forse dormivamo tutti.

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Donatella Finocchiaro interpreta il ruolo di Sara, madre di Elena e sorella di Giorgio, desidera e ambisce a una carriera in teatro e per questo lascia la bambina a Bobbio dalle zie mentre lei cerca di sfondare a Milano. Riesce a ottenere una parte importante e decide così di portare la bambina con lei nella metropoli. Giorgio nel primo episodio (girato nel 1999) si occupa e prende cura della bambina abbandonata da un mese dalla madre che non torna a riprenderla. Cercherà di sposarsi e aprire una gioielleria, finisce pieno di debiti e sarà Sara ad aiutarlo a uscirne. Le zie vogliono una nuova cappella funeraria vicina a quella già piena della loro famiglia, sono molto devote e parlano molto di religione con una spontaneità che intenerisce. Per girare questa pellicola Bellocchio ha ingaggiato tutta la sua vera famiglia: dal figlio e la figlia (Pier Giorno Bellocchio e Elena Bellocchio)  le sue zie (Letizia Bellocchio e Maria Luisa Bellocchio) e Alberto Bellocchio nei panni del preside. Il film è girato nella sua casa di Bobbio, casa che aveva già usato per il suo primo lungometraggio I pugni in tasca. Tra le altre cose, a rievocare quella prima esperienza intervengono delle inquadrature un tre punti del film tratte proprio dalla sua prima opera che ritraggono gli stessi luoghi in cui si svolge la scena di Sorelle mai.

L’esperimento da lui tentato con questa pellicola poteva rivelarsi fallimentare. La frammentarietà, non tanto della storia, quanto della lavorazione avrebbe potuto portare a un lavoro sconnesso, non preciso, eccessivamente scollegato. Invece il film funziona, ha un buon ritmo, è divertente – ha dei buoni momenti comici incentrati principalmente nel personaggio della zia chiacchierona. La bambina cresce nel corso della pellicola, così come è cresciuta nel corso degli anni di ripresa, e evolve molto più degli altri personaggi del film. Da bambina giocosa ad adolescente pronta ad andare a ballare con le amiche, capace di comprendere quello che le sta attorno, dalle difficoltà della madre a quelle dello zio – molto meglio di quanto non riescano a fare gli adulti.

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E non potrebbe essere altrimenti vista l’operazione imbastita da Kim Rossi Stuart, nei panni del protagonista e, inoltre, co-sceneggiatore del film, e Placido. Il Vallanzasca da loro portato sullo schermo si rifà ovviamente alla storia del Bel René rappresentandolo, però, più che come personaggio storico, com un’icona, un’immagine (un po’ come la Maria Antonietta della Coppola). D’altronde gli autori non fanno altro che rendere cinematografica la medesima operazione che, al tempo delle gesta del bandito, fecero i giornali dell’epoca, sbattendo il mostro in prima pagina ed esaltando, in questo modo, le sue gesta, rendendole mitiche e, dunque, iconiche. Secondo questa logica se si commette il grosso errore di considerare morale la pellicola – presentata appositamente Fuori Concorso su richiesta dello stesso regista onde evitare ulteriori polemiche – diviene inevitabile leggere dure parole d’attacco nei suoi confronti da parte dei parenti di coloro che rimasero uccisi dalle cattive imprese del bandito di Milano. Giusto, quindi, ritenere Vallanzasca – Gli Angeli del Male unicamente come film d’intrattenimento nel quale il personaggio principale e i suoi compari commettono colpi davvero efferati e condannabili dal punto di vista morale ma che in tutta la cinematografia mondiale sono sempre stati rappresentati. Fin dagli esordi, fin dai gangster movie del periodo d’oro di Hollywood, la figura del bandito, sebbene nella realtà connotata a causa di valori non positivi, è stata portata agli altari dal Cinema senza che questo provocasse né sconvolgimenti societari né emulazione da parte della maggioranza della popolazione né la divinizzazione o la beatificazione della figura del criminale. Dunque in questo caso non si tratta di esaltare o meno le gesta di Vallanzasca quanto piuttosto di riproporre in altra forma, quella cinematografica, il suo mito che già allora – con ben altre implicazioni sì davvero morali se vogliamo dirla tutta – era stato creato e alimentato, non per dare maggiore credito alla sua persona, quanto per procurare maggiori vendite o ascolti ai giornali e alle televisioni che si occupavano del caso con molto risalto. A questo riguardo, come lo stesso Placido ha ricordato brevemente in conferenza stampa citandolo, Sbatti il mostro in prima pagina di Marco Bellocchio ha qualcosa da insegnare.

Il film è pieno di azione e di momenti anche duri da vedere a causa degli scontri a fuoco e del sangue che appare assai copioso, sebbene lasci spazio anche a situazioni più intime dedicate al rapporto di Vallanzasca con i membri della sua famiglia e della propria gang. Da sottolineare la bravura di Kim Rossi Stuart, davvero nella parte, che è riuscito a rendere ancora più affascinante un personaggio che lo sarebbe stato già di suo ma al quale ha donato un pizzico di fascinazione in più del tutto cinematografico. Sinceramente è un peccato che questo film non sia stato presentato in Concorso. Merita molte più attenzioni di quello della scorsa edizione, Il grande sogno, che a differenza di questo si trovava in competizione e si è rivelato molto migliore rispetto ad alcuni film in lotta, quest’anno, per il Leone d’Oro. Ancora una volta, così come per Romanzo Criminale, Michele Placido si dimostra un regista assai adatto a questo genere di racconti.

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La ragione di questo mancato insuccesso può essere probabilmente rintracciata nel fatto che in realtà non siamo in presenza di un film sul famoso cantautore che riempie stadi e arene. Ne funge da colonna sonora ma non è un grande videoclip celebrativo . Funge poi pure da base, da supporto per raccontare qualcosa di più ampio e vagamente elaborato, ovvero l’Italia, tra presente e passato. Devo ammettere comunque questo film è un filo troppo nazionalpopolare. Lo è sotto diversi aspetti che vanno banalmente dalle canzoni del Liga, alle interviste a Fabio Volo e a Carlo Verdone, fino ad arrivare alle due vittorie ai campionati mondiali di calcio. A tutto questo si affianca però un lavoro sulle stragi, sui delitti e misteri della nostra nazione. La lettura della costituzione fatta da Volo, Ligabue, Hack, Veronesi (Umberto), Rossi (Paolo), Verdone. Video di repertorio si intervallano a interviste ai personaggi già citati che espongono opinioni e punti di vista su svariati argomenti. Casi del passato, si contrappongono e giustappongono a situazioni contemporanee. Lo sbarco della nave con 20000 albanesi al porto di Brindisi nel 1991, affiancato a Rosarno e alla prima manifestazione dei migranti nel marzo 2010 a Milano. I delitti di Falcone e Borsellino allle nuove lotte di Saviano. E poi il terrorismo nero, il degrado, la letteratura (gli Altri Libertini di Tondelli) e Eluana Englaro. Laicità e religiosità, i diritti fondamentali, il popolo sovrano che si trasforma in pubblico applaudente, osservante e non partecipante. E poi le canzoni di Ligabue che fanno evadere, uniscono e riescono a parlare alle persone molto meglio di quanto non facciano i politici al giorno d’oggi. Alla fin fine non dice nulla di che, nulla di nuovo, è tutto un grande già sentito ma il ritmo è buono e quindi “si lascia guradre”.

Racconta un viaggio questo documentario, il viaggio dell’Italia avanti e indietro nella sua storia, tra la sua gente e i suoi sogni. E il motivo del viaggio, del non essere ancora arrivati (e perciò Niente Paura) è espresso pienamente dalle scelte registiche di Gay di far parlare diverse volte Luciano Ligabue su un treno, di intervallarvi paesaggi che scorrono, e intervistare sia dei ragazzi, che Fabio Volo e Carlo Verdone su delle scale, ovvio simbolo di uno stare nel mezzo, una zona di passaggio non conclusivo, con un futuro ancora tutto da determinare.

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A metà tra Lourdes e Pepperminta la pellicola di Roberta Torre rasenta il limite del ridicolo. La protagonista di questo film vive con la sua famiglia nella periferia di Catania.. Famiglia problematica, il padre interpretato da Beppe Fiorello viene buttato fuori di casa nei primi dieci minuti del film, riducendo la sua presenza a poco più di una comparsata. Nella piazza davanti a casa sua viene installata una statua della madonna. Lei la osserva da lontano, quasi incantata. Una notte dei ragazzi giocando a calcio nella piazza staccano con una pallonata la testa alla madonna e la nascondono in una cantina. Così, privata della sua testa, la Madonna appare in sogno alla giovane tredicenne che gira già in motorino (illegalmente tra le altre cose). Le dice che rivuole la sua testa e dove possono trovarla. L’evento viene visto come un miracolo e lei e la sua casa divengono luoghi di pellegrinaggio di persone che vogliono una grazia dalla madonna e chiedono a Manuela di mettere una buona parola, di fare il miracolo. La ragazza non vorrebbe raccogliere queste richieste, che la costringono in casa e a vestirsi in un modo più casto per le apparenze, la madre invece vede fin da subito l’opportunità si un business e la costringe a ricevere i suoi fedeli. Quando, finalmente, sembra riuscire ad uscire da questi giri di visite però il miracolo accade davvero, non lasciandole nessuna possibilità di uscita.

I baci mai dati è una pellicola che rasenta veramente il ridicolo. Il riferimento all’obbrobrio che un anno fa Pipilotti Rits aveva presentato alla mostra è tirato in causa dalle scene all’interno di un salone di bellezza in cui la ragazzina lavora. A primo impatto sembra un bordello, tutto rosa, pieno di tendine fatte di perline, con donne vestite come delle imbecilli e la proprietaria che le pettina cotonando loro i capelli perché così le fa diventare più alte. “Guarda ti ho aggiunto undici centimetri” dice a una cliente con un ananas specie di ananas in testa. Pacchiano, davvero pacchiano. Altro motivo che rende ridicola la pellicola sono i caratteri della madre e della sorella. Pure macchiette, di una stupidità mostruosa, incapaci di provare sentimenti, vergogna e senza pudore. Plastiche sia interiormente che esteriormente, delle bambole. Lo stesso vale per tutti i fedeli che vanno in visita alla “santa”. Le grazie che chiedono alla Madonna sono palesemente, e volutamente, ridicoli. Ma proprio per la loro forzatura rendono la volontà di parodizzare l’ingenuità di quelli che si lasciano fregare da santoni e compagnia bella, rende il tutto fastidioso e irritante. La verità è che il film della Torre non racconta nulla, riesce solo a crollare sotto il peso delle banalità e delle caricature.

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In effetti in questo lungometraggio si nota assai poco la firma di Woo. La co-regia deve essere stata più ideale che pratica. Ci troviamo di fronte comunque sempre a una pellicola di puro intrattenimento, senza troppi fronzoli e che si rifà al cappa e spada made in Asia. Siamo sulla stessa lunghezza d’onda di La tigre e il dragone, per intenderci, ma a differenza del celebre film di Ang Lee non si trovano troppe valenze artistiche. Jianyu appare più come un videogioco nel quale gli spettatori sono giocatori passivi, ai quali è stato tolto il joypad, mosso unicamente dalla mano sapiente della coppia di registi.

Connotato dai soliti elementi del genere – arti marziali, spade, pugnali, ambientazioni d’epoca, magie etc etc – il film a volte rallenta fin troppo, perdendosi in lunghi momenti più “personali” in cui si cerca di investigare più il lato umano dei personaggi. L’azione dunque viene quasi dimenticata per lunghi tratti e il registro che viene toccato è quello della commediola romantica nella quale i personaggi vestono i panni delle maschere. Non che le sequenze action manchino, anzi alcune parti del film sono realizzate davvero in maniera sublime, così come alcune idee di combattimento sono davvero divertenti e affascinanti da vedere, ma la presenza di questi momenti di calma a volte è irritante. Forse anche perché queste sequenze allungano troppo il film che si staziona circa sulle due ore. Veramente sgradevole – almeno per lo spettatore occidentale – risulta forse la motivazione che spinge il maggiore antagonista a ricercare le due parti, divise tra loro, del cadavere di un maestro che, leggenda vuole, chi lo possiede è dotato della capacità di controllare l’arte del kong-fu. Non sarò io a rivelarla perché davvero troppo imbarazzante. Se siete interessati a scoprire questo segreto, Reign of Assasins sicuramente farà capolino tra le sale italiane proprio per la firma importante di uno dei due registi. Il film è piacevole ma anche gli appassionati del genere non si aspettino un capolavoro sennò rischieranno di rimanerne assai delusi. Se le pretese sono più basse si passeranno invece due ore piacevoli con questa pellicola d’azione.

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