Il Leone della laguna » Venezia 2009 http://www.ilsassolino.net/venezia ilSassolino.net alla Mostra di Venezia Sat, 10 Sep 2011 16:39:06 +0000 en hourly 1 http://wordpress.org/?v=3.1.1 Scommettiamo? http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/12/scommettiamo/ http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/12/scommettiamo/#comments Sat, 12 Sep 2009 13:48:48 +0000 Enrico Vannucci http://www.ilsassolino.net/venezia/?p=302 Non ho idea di chi possa vincere la 66° edizione della Mostra. Però qualche previsione si può fare in base alle sensazioni di questi dieci giorni di concorso.

Per il Leone d’oro dovrebbe essere una lotta tra: Lebanon, Lourdes, A single man e, probabilmente, Soul Kitchen e Life during wartime. Di conseguenza anche il Premio della giuria dovrebbe essere appannaggio di questi quattro.

Coppa Volpi per il miglior attore, quasi certo Colin Firth per A single man. Altri risultati sarebbero assai sorprendenti.

Coppa Volpi per la miglior attrice lotta probabile tra Sylvie Testud in Lourdes, Isabelle Huppert in White Material e Ksenia Rappaport in La doppia ora con Margherita Buy in Lo spazio bianco dietro nei consensi.

Premio Marcello Mastroianni a un giovane attore o attrice emergente credo a qualcuno del cast di Lebanon se non a tutto il cast.

Leone d’argento per la miglior regia lotta tra Shirin Neshat per Women without men – forse favorita, ma più per ragioni politiche -Samuel Maoz per Libanon e Brillante Mendoza per Lola.

Osella per la miglior sceneggiatura potrebbe andare a Soul Kitchen – se non vince il Leone o il Premio della Giuria – Life during wartime – posto sempre la medesima condizione – oppure a La doppia ora.

Osella per il migliore contributo tecnico credo sia ad appannaggio di Baarìa, in particolar modo o per la cinematografia oppure per la scenografia.

Vediamo se il tempo mi darà ragione o torto. Mancano solo poche ore al verdetto finale.

]]> http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/12/scommettiamo/feed/ 0 Mr. Nobody http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/11/mr-nobody/ http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/11/mr-nobody/#comments Fri, 11 Sep 2009 17:33:56 +0000 Enrico Vannucci http://www.ilsassolino.net/venezia/?p=298 Che dire? I trentasette milioni di euro spesi si vedono. Ogni centesimo. La nazionalità del film recita Belgio ma in realtà appare del tutto e per tutto made in Usa, non solo perché parlato in inglese. Mr. Noboby è una di quelle pellicole che deve, necessariamente, fermentare. All’uscita della sala o si ama oppure si odia, non vi possono essere mezze misure perché o ci si grida al capolavoro oppure lo si accusa di essere una pretestuosa cavolata (per non dire di peggio). Il lungometraggio di Jaco Van Dormael, fin’ora conosciuto per piccole produzioni indipendenti in lingua francese, in effetti un po’ pretestuoso lo appare. La storia è un flashback sui ricordi di Nemo Nobody, ultimo umano ad essere mortale nell’anno 2092, che, proprio per questo, è seguito da un network televisivo che ne racconta la fine. Peculiarità del suo racconto è la compresenza di più linee temporali antitetiche tra loro in un’unica esperienza di vita. Egli infatti racconta di aver vissuto sei vite contemporaneamente, lasciando incredulo il cronista che lo intervista sulla sua vita prima che l’uomo muoia definitivamente. Raccontare di più è difficile. Il film salta continuamente tra una linea temporale all’altra, molte volte confondendo, di proposito, l’intreccio tra le sei. All’inizio, infatti, lo spettatore si sente totalmente spiazzato e passano diversi minuti prima di avere una chiara idea di cosa si stia osservando. Quando poi si entra in sintonia con la vicenda, questa si rivela essere una riflessione sul tempo, riprendendo anche diverse teorie di fisica quantistica. A volte tutto questo risulta essere un po’ confuso ma probabilmente lo spaesamento di chi guarda è proprio quello che il regista andava ricercando. Chi scrive, personalmente, ritiene Mr. Nobody una metafora della cognizione dell’immagine visiva – e in particolar modo del Cinema – durante gli oltre cento anni della sua storia. Che si tratti di un film metacinematografico e autoriflessivo lo si può carpire da diversi spunti: proprio all’inizio, un giovane Nemo, avanza verso il bagno per guardarsi allo specchio, la macchina da presa lo segue fino a posizionarsi e diventare essa stessa lo specchio nel quale l’uomo si sta riflettendo, quando questi si gira, la cinepresa continua a seguirlo, entrando letteralmente dentro lo specchio e divenendo dunque l’immagine stessa delle “realtà”; verso la fine, invece, Nemo da giovane, osserva l’ultracentenario sé stesso che gli parla dallo schermo di un televisore, quest’ultimo ha in mano un copione con le battute esatte di ciò che la sua controparte giovanile vuole dire. Gli esempi, potrebbero essere altri, e ce ne sarebbero ma, come accennato in precedenza, questo è un film sul quale sarebbe meglio forse rifletterci più a lungo. Da quel poco che si è raccontato, infatti, si evince chiaramente come la materia non sia immediata e risulti complessa. Materia che, soprattutto visivamente, deve molto, forse tanto (troppo!), al Kubrick di 2001: Odissea nello spazio. Alcune idee, come la navicella spaziale, oppure la fisionomia dello stesso Mr. Nobody ultracentenario nonché la presenza del bambino (ma non del feto, almeno) sono veri e propri omaggi – per non dire altro di più grave – al grande cineasta americano e, in particolar modo, alla sua odissea fantascientifica. Nonostante questa complessità, il film in proiezione stampa ha ricevuto applausi ma all’uscita della sala i pareri erano discordanti, si passava dal giudizio di capolavoro alla bollatura come il più inutile e brutto film della mostra. Al grande pubblico l’ardua sentenza. Certo è che, rifarsi di tutti i soldi spesi, nonostante il cast composto da Jared Leto e Diane Kruger, sarà dura se Mr. Nobody non diverrà un piccolo, grande, cult movie.

]]> http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/11/mr-nobody/feed/ 1 A single man http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/11/a-single-man/ http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/11/a-single-man/#comments Fri, 11 Sep 2009 16:33:37 +0000 Enrico Vannucci http://www.ilsassolino.net/venezia/?p=292 A single man, esordio alla regia dello stilista Tom Ford, rischia di essere la pellicola che, con un colpo di coda – d’altronde beati gli ultimi che saranno i primi – si aggiudica la posta in gioco di Venezia 66. E’ opinione concorde tra gli addetti ai lavori che il film – sebbene non il migliore visto in questi dieci giorni, ma di certo una buona opera – possa piacere in particolar modo al presidente della giuria Ang Lee che potrebbe favorirlo nella vittoria del Leone d’oro. A parte questo Ford costruisce un film assai interessante. La storia vede come protagonista assoluto Colin Firth che meriterebbe la Coppa Volpi come miglior attore per la sua interpretazione di un professore universitario omosessuale nell’America conformista degli anni Sessanta che, caduto in depressione per l’improvvisa morte del suo compagno, decide di togliersi la vita perché oramai senza senso. Saranno le piccole cose, e le persone, anche insospettabili prima di allora, a far sì che qualcosa scatti in lui e gli faccia vedere che, dopotutto, la vita continua e il lutto è un dolore che può essere superato. Nel cast anche la sempre brava Julienne Moore, la miglior amica del protagonista, una volta legata a lui sentimentalmente, che vive osservando il passato non riuscendo ad accettare il suo presente di donna che vive da sola, abbandonata dal marito – e in maniera particolare non è capace a rassegnarsi all’idea che come essere umano deve inevitabilmente invecchiare e perdere la sua bellezza e il suo modo di essere – e, benché meno, il futuro. La vicenda è tratta dal romanzo omonimo di Christopher Isherwood e sceneggiata dal regista – nonché anche produttore del film – assieme a David Scearce. Ford si rivela, nel suo primo tentativo dietro la macchina da presa, essere un metteur en scéne equamente focalizzato su personaggi e messa in scena. Quest’ultima, infatti, segue direttamente le azioni dei primi – in particolar modo del professore – e ciò che essi provano. L’aspetto più interessaste dell’idea estetica dello stilista passato dietro alla macchina da presa è, fuori da ogni dubbio, il dichiarato e repentino cambio cromatico dell’immagine che lo spettatore osserva sullo schermo – senza l’uso di alcun taglio di montaggio – in seguito a un mutamento nell’animo di colui del quale prendiamo il punto di vista. Un esempio: il professore, più volte nel film, osserva dei particolari delle altre persone; di norma le immagini che lo riguardano, e ovviamente le sue soggettive in maniera particolare, virano verso una colorazione grigiastra, piatta mentre quando il personaggio di Firth viene colpito da un “qualcosa” – sia questo un dettaglio che lo attrae oppure un sentimento che prova in base a l’azione di colui o colei che gli si pone davanti – l’immagine prende letteralmente vita, il grigiore lascia il posto a una saturazione graduale ma del tutto quasi istantanea che ridà colore agli oggetti, in particolar modo alle carni dei personaggi e ai loro dettagli, si tratti di labbra oppure di occhi. Tutto questo assume un effetto ottico sinceramente molto bello e decisamente poco usuale. Per quanto riguarda la vicenda, Ford ha l’accortezza di non scadere mai nel banale né nel melodrammatico, rischio che, vista la materia assai ardua – e al contempo abusata – da trattare, era reale. A single man, in uscita in Italia durante la stagione cinematografica iniziata lo scorso weekend, piacerà innanzitutto a un pubblico omosessuale per ovvie ragioni – tra l’altro la pellicola è stata insignita del Queer award 2009, premio per il miglior film a sfondo omosex presente al Lido – ma sicuramente anche a uno femminile. Forse quello maschile potrà nutrire più dubbi sull’effettivo valore della pellicola, ma, come per Brokeback mountain – senza però esserlo sia chiaro – la storia, parlando in fin dei conti di amore, poco importano infatti le preferenze sessuali del protagonista, potrà, probabilmente, essere apprezzata da un pubblico assai vasto.

]]> http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/11/a-single-man/feed/ 2 Soul Kitchen http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/10/soul-kitchen/ http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/10/soul-kitchen/#comments Thu, 10 Sep 2009 21:59:51 +0000 Chiara Fiorentini http://www.ilsassolino.net/venezia/?p=269 Finalmente di ride e lo si fa di cuore. Finalmente un film fresco, innovativo e divertente. Finalmente una pellicola che può ambire a vincere il Leone d’oro senza puntare sui sentimentalismi e sull’elemento patetico.
Ciò che è strano è che tutti questi finalmente si riferiscono al film di un regista come Fatih Akin che ci aveva sempre regalato pellicole magnifiche che trattavano temi sociali, di integrazione degli stranieri in un nuovo paese , o meglio di turchi che vivono in Germania – essendo lui un turco che è nato e vive ad Amburgo. Pellicole come Solino, La Sposa Turca e Ai confini del Paradiso riuscivano a toccare temi e a far nascere emozioni tutt’altro che allegre. Come ha spiegato lui stesso in conferenza stampa, la necessità di cambiare tono e passare dal drammatico alla commedia così repentinamente, è nata dalla combinazione di due fattori: il primo è la morte di un caro amico che teneva molto alla realizzazione di questo film, e c’era inoltre la volontà, da parte del regista, di rimettersi in gioco totalmente, di sperimentare e di rischiare con  un genere che non aveva mai tentato, così da dimostrare a se stesso di poter essere in grado di gestire il comico e le sue regole e convenzioni più consolidate. Convenzioni che poi in realtà, per quanto presenti, vengono demolite dall’irriverenza della storia e dal suo assurdo ed esilarante andamento.

Voler tentare di tracciare una sinossi di questa incredibile storia è difficile, perché ricca di avvenimenti , sottotrame, vicende e situazioni al limite. Si può dire che è ambientato nella città di Amburgo, più precisamente nel microcosmo di un ristorante, il Soul Kitchen. Inizialmente la situazione del locale è deprimente, pochi clienti e un proprietario (Zinos, il protagonista) costantemente stressato e pieno di guai che si ritrova, tra le altre cose, tra i piedi un fratello in libertà provvisoria e una fidanzata che si trasferisce in Cina per lavoro. Le cose cambiano tutto d’un tratto, un eccentrico chef va a lavorare per il ristorante che ben presto da bettola di serie Z diviene un locale frequentatissimo dagli amanti del cibo e della musica. Ma i guai non tarderanno ad arrivare. Non aggiungiamo altro alla storia per non svelarne i risvolti più comici, aggiungiamo solo che il protagonista si procura un ernia al disco in continuo peggioramento che lo fa soffrire e assumere pose e espressioni superbe.
Quando si gira una commedia, perché questa riesca e funzioni, serve la combinazione di diversi elementi: una bella sceneggiatura, una regia che riesca a imprimere il giusto ritmo alle immagini e degli attori che sappiano interpretare con il giusto carattere i loro ruoli. Soul Kitchen ha tutto questo, e ha pure una sua morale; è Adam Bousdoukos – attore che intepreta Zinos – a raccontarla in conferenza stampa: nella prima fase, il ristorante vende piatti da fast food, è come se svendesse il cibo per ottenere un più facile guadagno – o semplicemente per rimanere a galla. Con l’arrivo dello chef le cose cambiano e questi cerca di insegnare al protagonista come cambiare il modo di intendere il cibo. Lo stesso, nella nostra società, avviene con la vita, la svendiamo, le diamo poca importanza e non  la valorizziamo. Dovremmo saperla cucinare meglio, riuscire a considerarla con un nuovo sistema di valori, più profondo.

Soul Kitchen sarà pure la cucina dell’anima, ma soprattutto è un film che fa bene all’anima, allo spirito e al pubblico del festival ormai assopito e seppellito sotto troppi drammi e documentari.

]]> http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/10/soul-kitchen/feed/ 0 Lola http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/10/lola/ http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/10/lola/#comments Thu, 10 Sep 2009 16:18:56 +0000 Enrico Vannucci http://www.ilsassolino.net/venezia/?p=264 La scelta di Lola di Brillante Ma. Mendoza come secondo film in competizione lasciato volontariamente ignoto fino all’ultimo è davvero una sorpresa. Soprattutto perché il regista ha quest’anno presentato una pellicola, Kinatay, recensita a suo tempo da chi scrive, a Cannes, probabilmente il festival di cinema più in competizione con Venezia, pellicola che è valsa anche il premio come miglior regia. Marco Muller, con questa scelta, pare aver gettato un guanto di sfida ai cugini transalpini, riuscendo ad aggiudicarsi il migliore dei due film. Lola, in effetti, supera Kinatay, nonostante la menzione vinta in Francia. Mendoza realizza un film su due donne, entrambe nonne, entrambe chiamate Lola, che si trovano, indipendentemente dalla loro volontà, a doversi fronteggiare. L’una chiede giustizia per l’omicidio del figlio da parte del nipote dell’altra la quale, come unico sogno prima di morire, spera di vedere il suo familiare libero da ogni accusa con la possibilità di avere una seconda ciance nella vita e, per questo, si dice pronta ad accordarsi con l’altra parte per saldare un ammontare di denaro che metta fine alla faida che ne è nata. Mendoza realizza un film potente, probabilmente un attimo più lungo del dovuto, dai ritmi lenti ed estenuanti che però non stancano lo spettatore che rimane rapito dalla vicenda umana delle due protagoniste e dal triste e duro affresco che egli abbozza delle Filippine, in particolare la città di Manila, al giorno d’oggi. Le due famiglie di provenienza delle due donne sono infatti entrambe di umilissime origine. La vicenda non è altro che una durissima lotta tra poveri. Entrambe le donne sono infatti preoccupate dalla ricerca estenuante di imponenti, per loro, somme di denaro per pagare chi il funerale, chi l’ammontare per trovare l’accordo con la famiglia colpita dal lutto. Mendoza ci guida in questa vita infernale con i suoi lunghi piani sequenza realizzati grazie alla camera a mano o a spalla. L’immagine è, al solito, desaturata, quasi sporca, come a doppiare il tempo uggioso e umido del paese durante il periodo dei monsoni quando la storia è ambientata. Il regista rimane sempre attaccato alle sue protagoniste, quasi come un’ombra, senza mai mollarle un attimo, come se stesse loro addosso. Ovviamente il racconto si sviluppa attraverso un montaggio alternato tra le scene dell’una e dell’altra, così da collegare, idealmente, le loro ricerche, connotate dal medesimo scopo. In effetti, alla fine, quando le due si trovano di fronte per accordarsi diviene palese, dal loro discorso, che le due hanno più che qualcosa in comune: le loro vicende umane sono pressoché identiche, eccetto per quel fatto di cronaca non dipeso dalle loro azioni. Mendoza stesso ha dichiarato che le due Lola sono due facce della stessa medaglia, la cui unica differenza sta nel fatto che mentre l’una è forte, l’altra risulta più debole, sebbene ciò risulti necessario per riequilibrare la natura non solo del racconto ma dell’equilibrio vivente.

Il regista filippino, in conclusione, realizza un buon film sebbene difficilmente sarà apprezzato dal grande pubblico, sempre che venga distribuito nel nostro paese. L’unica cosa che rimane da vedere è se, come a Cannes in Maggio, riuscirà a ricevere un premio.

]]> http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/10/lola/feed/ 0 La doppia ora http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/10/la-doppia-ora/ http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/10/la-doppia-ora/#comments Thu, 10 Sep 2009 16:17:37 +0000 Enrico Vannucci http://www.ilsassolino.net/venezia/?p=262 C’è toccato aspettare ben quattro film ma, all’ultima occasione disponibile, l’abbiamo trovato: finalmente un buon film italiano in concorso alla sessantaseiesima Mostra! La doppia ora, esordio alla regia di Giuseppe Capotondi, già noto come regista di video musicali, non solo è aria fresca ma è uno degli esempi da seguire per smuovere la nostra asfittica cinematografia nazionale. La pellicola è interessante soprattutto perché gioca in maniera molo intelligente con il genere, o meglio, i generi, visto che, peculiarità di questo lungometraggio, la vicenda passa dall’essere un film d’amore (molto italiano) all’horror per poi divenire, verso la fine, un thriller. E’ questo uno degli aspetti di cui il cinema italiano necessita, ripartire dalle basi del cinema, ovvero dal genere, e Capotondi e gli sceneggiatori, ai quali si deve anche il soggetto della storia, hanno compreso perfettamente. Così come la Indigo film, che dopo La ragazza del lago, sforna un’altra opera prima con un intrigo sullo sfondo. Questo La doppia ora ha tutte le potenzialità per fare altrettanto bene al botteghino e per ricoprire passo dopo passo le orme, anche vincenti, del film di Molaioli – vincitore di svariati David di Donatello tra le altre cose. Il regista si dimostra assai capace di gestire i vari generi senza problemi, presentando una messa in scena che ricorda a livello scenografico il primo Sorrentino e a livello di movimenti di camera un certo cinema indipendente americano, così come il montaggio. Gli attori protagonisti sono Ksenia Rappaport, già nel film di Tornatore La sconosciuta, e Filippo Timi, il Benito Mussolini del Vincere di Bellocchio, entrambi ottimi interpreti dei loro due personaggi, una cameriera di albergo e una guardia giurata a servizio presso la villa di un ricco industriale. La storia merita di non essere rivelata per non togliere allo spettatore il piacere di guardare questa vicenda che, seriamente, merita di essere osservata al meglio, senza saperne nulla a riguardo, così da farsi colpire a pieno dalla potenza del film. Ciò che può essere detto è che tutto ciò che accade, avviene nell’esoterica Torino, probabilmente l’unica città italiana che avrebbe potuto ospitare una narrazione come questa, caratterizzata da elementi che rimandano, inevitabilmente, al mondo del sovrannaturale, senza però scadere mai nel ridicolo o nel superfluo. Di più non si può dire. E’ per questo che chi scrive conclude qui – non rispettando la lunghezza media dei suoi scritti fino ad ora – questo articolo, con l’augurio e la speranza che il film di Capotondi riesca a vincere un premio a questa Mostra (miglior sceneggiatura?) e che al box office – l’uscita è prevista per Ottobre in più di quattrocento copie – La doppia ora riscuota un ottimo successo. E’ ciò che il cinema italiano ha bisogno, sarebbe un ottimo premio per gli autori e per chi ha creduto, sin dall’inizio, a questo progetto. Tanti complimenti.

]]> http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/10/la-doppia-ora/feed/ 2 Al mosafer http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/09/al-mosafer/ http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/09/al-mosafer/#comments Wed, 09 Sep 2009 21:59:55 +0000 Enrico Vannucci http://www.ilsassolino.net/venezia/?p=258 Al mosafer , in inglese The traveller ovvero Il viaggiatore, è un’opera strana. Da decifrare. Buona nella prima parte, più lacunosa nella seconda e nella terza. La vicenda illustra tre giorni della vita di un anziano (Omar Shariff) che ricorda i tre momenti nei quali si è sentito innamorato, delle giornate di autunno del 1948 la prima, sotto la dominazione inglese di Suez, degli anni Settanta la seconda e del 2001 la terza, poco dopo l’undici di settembre. Questa è la storia sua personale ma anche della sua famiglia, o meglio della donna dalla quale ha avuto, senza che lui lo venisse a sapere fino agli anni Settanta, due gemelli, maschio e femmina, e di suo nipote, figlio a sua volta di sua figlia. Tutto il lungometraggio è costruito come se ci trovassimo di fronte ai frammenti della memoria dell’uomo che piano, piano riaffiora. Questo è reso palese dalla moltitudine di dissolvenze da e su nero che costituiscono tutto il film, e in maniera più abbondante la prima parte, come se ciò che si trova situato più lontano nel tempo sia, in effetti, più frammentato e più difficilmente ricordabile. Gli anni Quaranta poi ci vengono presentati un po’ come un sogno o una favola, in un’atmosfera palesemente finta che ricorda, in particolar modo nelle scenografie e nei costumi ma anche nei movimenti della macchina da presa, un certo Fellini più tardo, quello de La nave va. La prima parte, anche per queste atmosfere che richiamano il grande maestro italiano, è la migliore del film. Altro elemento che a caratterizza è la forte ironia e comicità qui presente, elemento che, mano a mano, si perde sempre più, facendo scivolare il film verso una maggiore serietà e verso una perdita di un filo conduttore che non produce altro che disorientamento nello spettatore. E’ un peccato che, nella terza parte, quando entra in campo un ottimo Omar Shariff, molto credibile nonostante l’evoluzione del copione durante la sua comparsa sullo schermo, la pellicola si sia già persa in un groviglio di tematiche mai del tutto esplicate a pieno le quali risultano di difficile distinzione e comprensione per chi la osserva. Risulta difficile dunque anche abbozzare un punto di arrivo verso il quale il regista, Ahmed Maher, vuole traghettare lo spettatore. A volte, si ha il dubbio che questi film mediorientali oppure orientali distino così tanto da noi come cultura che siamo noi occidentali, il più delle volte, a essere prevenuti nei loro confronti e quindi, per questo motivo, si cerca ogni tipo di attenuante che possa dare loro una giustificazione sulla loro incompiutezza. Non vi è dubbio, infatti, che anche Al mosafer lo sia. Viene quindi spontaneo chiedersi come mai, sia stato messo in concorso. A chi scrive, tutto sommato, non è dispiaciuto, le due ore e cinque minuti della sua lunghezza, sebbene effettivamente troppe, sono passate senza essere sentite come troppo pesanti, grazie anche a qualche risate che non ha guastato, ma alla fine della proiezione si resta con l’amaro in bocca per ciò che si è visto, specialmente nella prima parte, e ciò che ha terminato la vicenda. E’ come se tra l’una e l’altra sezione si fosse non solo cambiato film ma anche spettacolo. Davvero un peccato, perché, comunque, qualcosa di buono la pellicola di Maher lo ha comunque dimostrato.

]]> http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/09/al-mosafer/feed/ 0 Zanan bedoone mardan http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/09/zanan-bedoone-mardan/ http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/09/zanan-bedoone-mardan/#comments Wed, 09 Sep 2009 21:58:28 +0000 Chiara Fiorentini http://www.ilsassolino.net/venezia/?p=253 Shirin Neshat è un’artista. Principalmente un artista che usa come mezzo per esprimere la sua arte la fotografia. Nonostante ciò evidentemente, dopo aver già girato qualche cortometraggio, ha voluto sperimentare al cinema. E  tale esperimento si è concretizzato con la sua opera prima in concorso a Venezia 66.
La trama è difficile da raccontare, è complicata e estremamente simbolica infatti. Si può comunque dire che Women Without Men (titolo inglese della pellicola) è un film estremamente politico, lo è in buona parte perché narra i giorni delle proteste e del golpe del ’53, ma lo è anche perché attraverso le vicende personali e intime di quattro donne racconta la condizione femminile in Iran – tema centrale dei vari lavori della Neshat. C’è una donna sulla trentina che non vuole sposarsi e fare politica e si suicida all’inizio del film per poi riapparire viva poco dopo, c’è la sua cara amica innamorata del fratello della suicida, che verrà stuprata da due uomini, c’è una prostituta che si sente in colpa per il lavoro che fa e quindi arriva a escoriarsi la pelle con una spugna pur di togliersi quella colpa di dosso e c’è una ricca donna che decide di mollare il marito e comprare una casa in cui ospiterà due delle donne protagoniste del film (la prostituta e la ragazza stuprata). Questa casa in realtà la si può considerare come un luogo metafisico e simbolico in cui si può o imparare a prendere coscienza di se stessi e riuscire ad andare avanti e tornare a vivere in mezzo agli altri, oppure crollare sotto il peso della vita e lasciare che la mente infetti il corpo conducendolo all’inevitabile morte.
Questa pellicola ha i suoi pro e i suoi contro. La storia certamente è un contro, troppo intricata, spesso di difficile e non immediata comprensione e eccessivamente diluita e lenta. Assolutamente positiva è invece la regia, che è palesemente studiata e ragionata in ogni sua inquadratura. Si vede chiaramente che la regista ha una formazione fotografica, perché al livello estetico e formale della costruzione dell’immagine tutto è impeccabile. Ogni cosa è al suo posto, proporzionata e in armonia con tutto ciò che sta in quell’immagine. Un film da vedere anche solo per questo motivo visto quanto è raro trovare una pellicola che presenti una tale attenzione al dettaglio formale dell’inquadratura e dei movimenti di macchina.

Nota di colore verde da aggiungere a ciò che è stato già scritto: il film è dedicato a tutti quelli che sono morti per lottare per la repubblica in Iran e in sala tutta la delegazione era abbellita da delle sciarpe verdi a indicare l’orientamento e il preciso appoggio politico del cast.

]]> http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/09/zanan-bedoone-mardan/feed/ 0 Tehroun http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/09/tehroun/ http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/09/tehroun/#comments Wed, 09 Sep 2009 21:30:52 +0000 Chiara Fiorentini http://www.ilsassolino.net/venezia/?p=250 Dall’Iran arriva una pellicola interessante: Tehroun opera prima di Takmil Homayoun Nader.
Il film narra la storia di un  uomo, Ibraim, che – lasciando al paese la moglie – se ne va in una grande città nel tentativo di fare soldi. Questa ricerca fallisce per cui si ritrova a chiedere elemosina per strada raccontando invece alla famiglia di lavorare in un negozio. Per cercare di racimolare più soldi possibili arriva pure ad affittare un bambino per cercare di stimolare la compassione delle persone, specialmente quella delle donne. Ibraim condivide una piccola casa con due uomini nelle sue medesime condizioni finanziarie, un giorno decide di affidare per qualche ora il bambino al più giovane dei due coinquilini. Questi però si fa ingannare da una prostituta e in un momento di distrazione lei rapisce il bambino – o meglio lo ruba perché questo neonato non è concepito comeun individuo ma come un oggetto che serve a fare soldi, un mezzo di sostentamento. La vicenda crea solo altri problemi a Ibraim che si ritrova con un enorme debito verso quei malavitosi che gli avevano affittato il bambino.
È una storia triste e di disperazione quella che viene raccontata in questo film e che riflettere sulla situazione di vita e di degrado sociale nelle grandi città iraniane. La pellicola è ben interpretata, interessanti sono soprattutto i personaggi di contorno che servono a rendere la vicenda più umana e verosimile: il modo in cui la moglie del protagonista si accorge del problema del marito e come reagisce – pure mettendo il gioco se stessa per il bene del marito e del figlio che porta in grembo – il coinquilino ingenuo che cerca di volta in volta di sistemare i guai che lui stesso ha contribuito a creare senza però riuscire a fare nulla di veramente risolutivo, l’altro coinquilino isterico  e ipercritico, sempre pronto a mettere bocca su tutto e il magnifico bambino che riesce a addolcire e allo stesso tempo rendere più cruda la vicenda, proprio per il contrasto che si crea tra il suo dolce volto e la difficile storia raccontata.
Il film non è perfetto, ha più di un difetto, qualche buco di sceneggiatura e non tutte le scelte registiche sono azzeccate. In ogni caso se si considera che è un opera prima, non si può far altro che sperare in una brillante carriera per questo esordiente e tanti film buoni come questo se non di più.

]]> http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/09/tehroun/feed/ 0 Il grande sogno http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/09/il-grande-sogno/ http://www.ilsassolino.net/venezia/2009/09/09/il-grande-sogno/#comments Wed, 09 Sep 2009 14:19:43 +0000 Enrico Vannucci http://www.ilsassolino.net/venezia/?p=244 Toccherebbe dire basta. Toccherebbe, veramente, dire basta a film di questo genere. Probabilmente la peggior pellicola vista fin’ora in questa edizione della Mostra. Il cinema italiano dovrebbe smetterla di produrre queste opere che non solo puzzano di vecchio ma appaiono anche assai ridicole. Placido racconta l’ennesima storia sul sessantotto nella quale “noi” eravamo i migliori e “loro” erano i peggiori ma, purtroppo, sono stati anche coloro che hanno vinto quella battaglia – ma anche tutta la guerra a ben vedere – e, oggi, non possiamo far altro che rimpiangere quel grande sogno e quell’epoca d’oro. Basta! Gli italiani dimostrano che oramai i film sulle “generazioni” – a parte alcune opere che appaiono assai riuscite – non riescono più a farli, specialmente quelli ambientati in quei fatidici anni. Trattando questo argomento, rimasto nel cuore a molti nostalgici, il più delle volte si rischia, come in questo caso, di dipingere un affresco non solo irreale ma anche ridicolo, nel quale le alte vicende della storia, gli ideali, si combinano con le piccole storielle del quotidiano: il rapporto difficile con i genitori borghesi, l’amore non corrisposto e “sbagliato” verso coloro che dovrebbero essere considerati i nostri nemici, i compagni che sbagliando scelgono la lotta armata. I soliti, identici e ripetitivi argomenti. Aggiungiamoci poi un finale all’American Graffiti nel quale ci viene svelato il futuro dei protagonisti che abbiamo fino ad allora seguito e si scade veramente nel patetico. La lettura è poi piuttosto semplice: nonostante noi siamo stati sconfitti dalla storia, almeno, ci siamo riscattati a livello individuale. E che riscatto: uno, Argentero, brigatista in esilio in Francia, l’altra, la Trinca, professoressa negli stati uniti e il terzo, Scamarcio – che poi non è altro che il vero e proprio alterego di Placido – attore di film come aveva sempre sognato. La morale è dunque doppiamente da condannare: noi che sognavamo in grande, non ne siamo usciti vincitori, ma siamo divenuti lo stesso “qualcuno”, abbiamo ricavato il massimo dalle nostre vite, mica come coloro che ci hanno battuto. Placido vede la storia solo dal suo punto di vista, quello di una persona che ha vissuto quegli anni e che comunque è caduta in piedi. Vi è una differenza sostanziale con film dalla tematica similare come il già citato American Graffiti o il Come Eravamo di Pollack: nelle due opere americane, i protagonisti non sono e non saranno mai dei vincenti, ma degli sconfitti dalla vita – a parte, forse, il personaggio di Dreyfuss nel film di Lucas che però nel seguito di quella pellicola viene, per questo, completamente dimenticato – mentre in Il grande sogno questi fin dall’inizio sanno di essere dei vincenti, persone alla quale la vita sorriderà sempre.

Anche a livello filmico il lungometraggio risulta irritante. La produzione Taodue di Valsecchi – rinomata per le serie come Distretto di Polizia – dovrebbe di suo essere una spia della televisività del prodotto realizzato da Placido. Non ci troviamo davanti a un’opera per il cinema ma più per il piccolo schermo. E’ ormai prassi comune, purtroppo, per la nostra industria del grande schermo, realizzare sempre più prodotti che sono rivolti in maggioranza per un passaggio successivo sul satellite che non per quello in sala. Il motivo è presto detto: nel nostro paese sono i canali televisivi a comandare e dettare le regole, e non solo perché il presidente del consiglio è il maggiore azionista della più grande compagnia privata e controlla anche l’azienda di stato. A parte pochi esempi di qualità – Sorrentino, Garrone, Bellocchio – il cinema italiano pare ormai un ricordo. Ciò che sempre più siamo abituati a vedere nelle sale sono solo anteprime di ciò che ci aspetterà in tv da lì a poco tempo. Eppure basterebbe poco per ritornare a fare dei buoni film. Sorrentino è uno di quelli che ha capito come: ispirarsi a coloro che sanno perfettamente cosa sia il cinema, gli americani. In estrema sintesi: risparmiate i vostri soldi in tempo di crisi.

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