Dopo ben tre premi già vinti qui sulla Croisette, Ceylan si appresta a candidarsi come uno di quelli che non tornerà a casa a mani vuote. In effetti se lo meriterebbe. Lo vedremo in Italia? Speriamo! Anche se, nel caso accada, non aspettatevi il circuito principale.

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Il film è davvero magnifico a partire dalla storia che racconta. Questa infatti si immerge totalmente nel genere per poi, sul più bello, sovvertirne le regole. Ci si aspetterebbe una vicenda in cui il protagonista, il classico eroe taciturno, agisca per portare a termine la propria missione, invece ciò che sceglie è proprio il suo opposto, l’inazione. Invece dello scontro lo stunt-man dalla doppia vita – di giorno occupato nelle lavorazioni dei film, la notte guidatore spericolato per piccoli ladruncoli che svaligiano banche – sceglie di aiutare il proprio antagonista, almeno dal punto di vista sentimentale. Dove la maggior parte dei registi di Hollywood avrebbe trovato terreno fertile per fare attecchire i classici semi di una storia vista e rivista, Refn decide di deostruire del tutto il genere presentandoci una figura così atipica da renderla indubbiamente interessante.

Tutto ciò ancor di più quando l’atmosfera e l’estetica scelte dal regista danese si richiamano espressamente invece a quei film di genere così molto in voga negli anni ottanta. Che lo stile sia quello di un cinema americano durante gli anni di Reagan si capisce fin dai titoli di testa: le scritte che richiamano Cocktail con Tom Cruise e soprattuto la colonna sonora non lasciano dubbi su quale sia l’orizzonte filmico al quale ci si sta guardando e prendendo come riferimento. Ma il regista non si accontenta di riproporre un immaginario tale e quale e, giustamente, decide di aggiornarlo secondo canoni che sono totalmente opposti alla frenesia che caratterizza il mondo moderno. Il protagonista, con la sua calma placida, è un outsider a prescindere. Pare essere troppo lento per il mondo in cui vive e ciò pare procurarli uno svantaggio. Tutti, in fin dei conti, lo considerano un looser, uno sfigato perché manca totalmente degli atteggiamenti da duro. Ma questa è solo una maschera perché, ed è impressionante come la pellicola si animi in un secondo, quando il pericolo gli è addosso lo stunt-man si dimostra un vero duro. Forse anche troppo. A metà film infatti, del tutto inaspettatamente, si scatena una violenza che visivamente ci richiama le peggiori (o forae le migliori) pellicole  splatter e nel gore  della storia del cinema. Una violenza che lascia lo spettatore basito ma affascinato da ciò che gli si dipana davanti agli occhi.

Gosling in tutto questo sforna una prova da grande attore. Di certo il personaggio non è di facile interpretazione perché molto introverso, tutto richiuso verso l’interno, nascosto agli altri protagonisti e per questo agli spettatori. L’attore è bravo a comunicare solo con un volto quasi del tutto privo di espressioni facciali, imperscrutabile. Una prova che gli varrebbe un premio qui sulla Croisette come minimo e, come già accennato in precedenza, una nomination sia ai Golden Globes sia agli Oscar.

Di sicuro lo vedremo in Italia. Perché un film così non può che piacere. Se il passaparola lo aiuta si può tramutare in una delle sorprese al botteghino italiano di quest’anno. Io ci credo molto.

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A parte che a uno gli verrebbe da domandare al regista e alla produzione come mai abbiano deciso di girare la pellicola in 3D se questo non aggiunge minimamente nulla a nessun aspetto, né alla narrazione, né agli effetti speciali. Il film infatti rimane per la maggior parte del tutto statico e lento.

Non c’è dubbio che questo titolo sia una delle grosse delusioni di Cannes. Le aspettative, sebbene io non sia particolarmente un fan di Miike, che si nutrivano nei suoi confronti, anche vista la prova interessante di 13 Assassini solo qualche mese or sono, sono state tutte rovesciate da un film che non lascia proprio nessuna emozione se non una voglia di appisolarsi sulla seggiola del cinema. Evidentemente il Giappone non è stato troppo fortunato con la scelta dei selezionatori per ciò che riguarda il concorso. E’ facile pensare che la volontà di inserire in competizione per la Palma d’Oro sia Miike che la Kawase sia dovuta unicamente al nome “importante” che i due autori si trascinano con loro. Questa edizione di Cannes ci ricorda ancora una volta come non sempre  il cognome basta per poter realizzare delle pellicole degne di nota.

Nonostante tutto è facile che una distribuzione questo Ichimei la trovi anche da noi dove il film precedente del regista sta per essere portato sul grande schermo durante il periodo estivo, quando, in teoria, la gente, anche quella che va al cinema, trova di meglio da fare.

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Scritto con Umberto Contarello, narra la storia di Cheyenne, una rockstar  new wave/goth famosa durante gli anni Ottanta, ora caduta del dimenticatoio, che se ne vive a Dublino con la moglie in una villa immensa e praticamente deserta, scimmiottando sé stesso, ancora conciato come i tempi d’oro – Penn ricorda indubbiamente nell’aspetto Robert Smith di The Cure e nell’atteggiamento, la voce e il modo di trascinarsi in giro, non lo definirei certamente camminare,  Ozzy Osbourne. In seguito alla morte del padre, deportato in un campo di concentramento durante la Seconda Guerra Mondiale, dopo il suo funerale a New York, il musicista si mette sulle tracce di un nazista a cui il padre aveva dato la caccia invano tutta la vita perché era stato uno dei suoi aguzzini in Germania. Seguendo i diari e gli scritti lasciati dal proprio genitore Cheyenne si avvia lungo un viaggio nell’America più rurale che non solo lo porterà a trovare quello che cerca ma soprattutto se stesso.

Sebbene Sorrentino sia un regista che deve molto a un certo tipo di cinema made in USA già per sua natura, questo This must be the place è sicuramente il più americano dei suoi film. Non solo perché è girato per la maggiorparte  oltreoceano e parlato tutto in inglese quanto per il tipo di storia che narra. Il tema del viaggio alla ricerca di qualcosa o qualcuno – metafora di un’altro tipo di viaggio, corrispettivo, dentro il proprio io più nascosto – è un classico archetipo che buona parte di Hollywood ha utilizzato spesso nel tempo e la spina dorsale della pellicola si basa proprio su questo. Un tema d’altra parte non nuovo nemmeno per Contarello – molte sue sceneggiature infatti lo ripresentano – ma quasi una novità per Sorrentino i cui film precedenti mostravano una “sedentarietà” maggiore e nei quali i personaggi sembravano quasi ingabbiati dagli spazi che abitavano e vivevano. Cheyenne stesso si trova rinchiuso nella sua immensa e vuota casa o nel centro commerciale di Dublino che frequenta ma quando arriva negli Stati Uniti la sua sedentarietà lascia il posto a un movimento continuo – ottima l’idea di accompagnare il personaggio di Penn sempre da un oggetto che si trascina, un carrello della spesa oppure un trolley. Vi è un cambiamento di prospettiva perché il film a un certo punto  ha un svolta decisa e diviene un vero e proprio road movie. In effetti si sente una differenza netta nella narrazione tra l’Irlanda e gli Stati Uniti, una discrepanza che fa quasi percepire allo spettatore la sensazione di trovarsi di fronte a due film diversi: uno più intimista, la prima parte, e uno più archetipico, appunto, la seconda. Inoltre alcune immagini poi sono degli omaggi veri e propri a uno dei registi americani, Tarantino, preferiti dal nostro, primo fra tutti il dettaglio di un piede a cui vengono colorate le unghie.

A livello registico sempre il solito Sorrentino: carrelli, dolly, steady-cam. La scena visivamente più bella è senza dubbio quella del concerto di David Byrne – anche autore delle musiche del film – un piano sequenza lungo quanto la canzone che viene cantata sul palco e che presenta una coordinazione perfetta tra i movimenti di camera – un carrello all’indietro con dolly – e il movimento in verticale e orrizzontale di una parte del palcoscenico stesso.

L’unica nota negativa è che per vederlo in Italia toccherà aspettare il 14 Ottobre quando Medusa, distributrice e co-produttrice del film con Indigo e Lucky Red, ha deciso di distribuirlo. Peccato. Speriamo in un ripensamento in caso di vittoria di un premio importante.

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Molto in breve la storia è ambientata nella regione di Asuka che è considerata il luogo in cui la patria giapponese è nata. In quei posti, in tempi antichi, le persone vivevano la loro esistenza secondo un canone del tutto dimenticato nel mondo presente, quello dell’attesa. Oggi, infatti, coloro che abitano il mondo, soprattuto quella terra d’oriente, paiono essersi scordati del tutto del concetto di attesa a scapito di una concezione di un futuro che è un eterno presente che, per di più, ognuno è libero di realizzare secondo il proprio volere. In tempi antichi invece gli abitanti di Asuka credevano che le montagne – che ancora oggi svettano immutate – fossero i luoghi in cui abitassero gli dei, esse stesse l’espressione del karma umano. I protagonisti della storia sono però due persone che abitano nel nostro presente, Takumi e Kayoko che si sono trovati ad essere gli eredi delle speranze non completate dei loro nonni e a vivere le vite di questi ultimi. Vivono, insomma, una storia che si protrae da un’età immemore, rappresentando le anime che hanno solcato quella terra.

Ora ditemi voi se una storia del genere non concili il sonno solo alla lettura della breve sinossi!

Lo vedremo in Italia? Forse. Roba da Festival e per appassionati. Non aspettatevi inutili distribuzioni su grossa scala.

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Intanto in attesa di sapere se la giuria assegnerà una qualche menzione al film spagnolo, possiamo stare pur certo che ben presto la pellicola approderà nelle nostre sale e che probabilmente si rivelerà il solito successo di pubblico e di incassi.

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Melancholia si trova filosoficamente all’opposto di The tree of life.  Se Malick parla del trascendente che si fa immanente, Von Trier cancella lo spirituale per portare tutto al terreno, scollegandolo completamente da un possibile doppio celeste di qualsiasi tipo. Justine (Kirsten Dunst) – che chiaramente altro non è che il doppio del regista, nella seconda parte è addirittura vestita come lui – confida alla sorella Claire (Charlotte Gainsbourg) che la vita esiste solo sulla Terra e in nessuna altra parte dell’universo. Né Dio né extraterresti. Von Trier per dirci che la vita fa schifo e che l’umanità è ancora peggio cade però nel cliché. La prima parte, sicuramente la peggiore del film, è una fiera del già visto: matrimonio di Justine che sembra felice ma non lo è e che lo stesso giorno molla il marito, lo sposo appunto cornuto e tradito con il primo che capita in quello stesso giorno, la sorella che è sposata con un ricco che guarda solo alle apparenze, i genitori divorziati e la madre che detesta il matrimonio e la felicità delle persone, il padre un’anaffettivo all’ennesima potenza, il capo che le offre unapromozione ma che la sfrutta anche nel giorno del matrimonio e che lei odia profondamente e decide di mandare a quel paese, Insomma, una specie di Festen però del cliché. La seconda parte del film invece è tutta incentrata sul pianeta Melancholia che si muove nel cosmo e che secondo gli studiosi passerà solo vicino alla terra mentre per Justine e qualche altro “paranoico di internet” distruggerà il pianeta, cosa che appunto accade. Qui è Claire ad avere la maggior importanza e Von Trier ci racconta la sua paranoia e la paura della morte che la attanaglia e dalla quale non riesce a scappare fino all’invevitabile fine.

Come dicevo all’inizio il film non è in fin dei conti brutto, anche perché vi sono elementi che lo popolano che sono del tutto incongrui. Come per esempio la buca numero diciannove su un campo da golf quando questi hanno, da sempre, solo diciotto holes. Per questo meriterebbe di essere rivisto e studiato con calma. Opportunità che si ripresenterà in autunno da noi con tutta probabilità.

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Indubbiamente una delle pellicole che più meriterebbero un premio per come è stata realizzata. Considerando la Palma ormai fuori portata vista la presenza del film di Malick questo Le Havre meriterebbe un riconoscimento da parte della giuria. Ovviamente visto il nome dell’autore la pellicola sarà distribuita e visibile anche nel nostro paese al più presto. Ecco un film da segnarsi

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Nel cast spiccano una serie di donne seriamente molto interessanti tra cui Noèmie Lvovsky, Hafsia Herzi, Adèle Haenel, Cèline Sallette e la nostra Jasmine Trinca. Proprio la presenza di quest’ultima potrebbe favorire una distribuzione del film anche in Italia. Sinceramente la pellicola se la meriterebbe sebbene non sono poi tanto così sicuro che avrebbe un successo commerciale, il quale potrebbe unicamente venire presentandolo come un lungometraggio oggetto di immagini scandalose – sebbene ciò non sia per nulla vero.

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Malick è l’unico tra i registi in circolazione oggi a poter mostrare il trascendente attraverso la sua immanenza. La storia racconta, seguendo la vicenda personale di una famiglia, il mistero della vita. Lo fa con i tempi e lo stile di questo regista unico: in modo del tutto etereo e dilatato, in cui voce, suono e immagini si uniscono in un unicum che suona armonicamente le corde del cuore del proprio spettatore più sensibile. L’albero della vita di cui parla il titolo del film è la pellicola stessa e non un l’oggetto centrale della vicenda narrata come erroneamente si potrebbe pensare.

Una pellicola appunto che riprende quel discorso iniziato da Kubrick con 2001 e che Malick idealmente porta a compimento utilizzando una narrazione del tutto simile a quella del maestro: ovvero passando da una  macrostoria che altro non è che un film opera – nel senso teatral-musicale del termine – alla microstoria personale di un gruppo di esseri umani, attraverso un diario filmato, un super8 o un film di familglia. Le assonanze armoniche tra le due opere sono tante: non solo le immagini dello spazio e della natura, ma anche la creazione del mondo e dell’universo – riproposta in entrambi i casi secondo logiche simili – ad opera di una forza misteriosa di tipo trascendentale, oppure la presenza delle prime specie viventi sul pianeta – in Kubrick le scimmie, in Malick i dinosauri – fino alle scene finali che idelamente si “toccano”. Se il finale di 2001 è famoso per la sequenza del bagno e della camera da letto dove, in seguito a un viaggio spaziale, l’astronauta Bowman incontra se stesso da vecchio prima dell’apparizione del feto astrale, in The tree of life, su una spiagga si ritrovano assieme il passato e il presente della famiglia di cui il film narra, in cui tutti i suoi componenti, anche doppi, ovvero presi in momenti diversi della loro esistenza – proprio come l’astronauta – si ritrovano assime. Inoltre Malick cita palesemente con Kubrick in inquadratura: se quest’ultimo, sempre nella scena appena ricordata, aveva mostrato l’invecchiamento repentino di Bowman attraverso un taglio di montaggio, lo stesso succede in The tre of life quando mentre due mani giovanili si sfiorano una diviene improvvisamente  rugosa per l’effetto di un taglio di montaggio.

Malick ha ben chiaro sia l’argomento che vuole trattare – vera e propria filosofia che si rende immanente essa stessa nell’immagine filmica – sia il lavoro di chi vuole continuare e, per certi versi, portare a termine. Un film che deve essere visto al cinema per non perdere la potenza delle immagini che lo compongono. In uscita Mercoledì in Italia.

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