Il film di chiusura è Les Bien-Aimés di Christophe Honoré (En Compétition)

Il mio favorito per la vittoria era e rimane The tree of life di Terrence Malick. Spero in un premio a Sorrentino e in un riconoscimento a Drive e al film di Ceylan.

In attesa del verdetto vi saluto e vi do appuntamento all’anno prossimo!

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Dopo ben tre premi già vinti qui sulla Croisette, Ceylan si appresta a candidarsi come uno di quelli che non tornerà a casa a mani vuote. In effetti se lo meriterebbe. Lo vedremo in Italia? Speriamo! Anche se, nel caso accada, non aspettatevi il circuito principale.

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La qualità non è eccelsa, anzi, proprio tutta il contrario. Il problema è sempre il solito: la richiesta che i film siano in anteprima mondiale. Se per un lungometraggio questo può essere una richiesta che facilmente non pregiudica la qualità di un film – e ciò vale in maggioranza solo per Cannes, Berlino e Venezia – nel caso di un corto ciò non è per nulla così. I cortometraggi sono delle opere totalmente diverse dai lunghi ed essendo prodotti probabilmente in maggiore quantità, necessitano di finestre ben più ampie e numerose dove venir mostrati. Ciò comporta che i migliori corti realizzati durante gli anni preferiscano essere proiettati in più festival che non aspettare l’eventuale selezione in una delle grande kermesse per i lungometraggi. In effetti valgono di più certe vittorie in competizioni più piccole e più umane che non una Palma d’Oro qui a Cannes.

Degli otto in competizione salvo solo il divertentissimo Bear di Nash Edgerton di nazionalità Australiana e l’altrettanto divertente e amaro Badpakje 46 (Swimsuit 46) del fiammingo Wannes Destoop. I restanti sei sono debolucci. Ovviamente vincerà uno degli altri.

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Questi alcuni dei film in programma oggi nelle varie categorie:

La Source des Femmes di Radu Mihaileanu (En Compétition)

Bir Zamanlar Anadolu’da di Nuri Bilge Ceylan (En Compétition)

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Il film è davvero magnifico a partire dalla storia che racconta. Questa infatti si immerge totalmente nel genere per poi, sul più bello, sovvertirne le regole. Ci si aspetterebbe una vicenda in cui il protagonista, il classico eroe taciturno, agisca per portare a termine la propria missione, invece ciò che sceglie è proprio il suo opposto, l’inazione. Invece dello scontro lo stunt-man dalla doppia vita – di giorno occupato nelle lavorazioni dei film, la notte guidatore spericolato per piccoli ladruncoli che svaligiano banche – sceglie di aiutare il proprio antagonista, almeno dal punto di vista sentimentale. Dove la maggior parte dei registi di Hollywood avrebbe trovato terreno fertile per fare attecchire i classici semi di una storia vista e rivista, Refn decide di deostruire del tutto il genere presentandoci una figura così atipica da renderla indubbiamente interessante.

Tutto ciò ancor di più quando l’atmosfera e l’estetica scelte dal regista danese si richiamano espressamente invece a quei film di genere così molto in voga negli anni ottanta. Che lo stile sia quello di un cinema americano durante gli anni di Reagan si capisce fin dai titoli di testa: le scritte che richiamano Cocktail con Tom Cruise e soprattuto la colonna sonora non lasciano dubbi su quale sia l’orizzonte filmico al quale ci si sta guardando e prendendo come riferimento. Ma il regista non si accontenta di riproporre un immaginario tale e quale e, giustamente, decide di aggiornarlo secondo canoni che sono totalmente opposti alla frenesia che caratterizza il mondo moderno. Il protagonista, con la sua calma placida, è un outsider a prescindere. Pare essere troppo lento per il mondo in cui vive e ciò pare procurarli uno svantaggio. Tutti, in fin dei conti, lo considerano un looser, uno sfigato perché manca totalmente degli atteggiamenti da duro. Ma questa è solo una maschera perché, ed è impressionante come la pellicola si animi in un secondo, quando il pericolo gli è addosso lo stunt-man si dimostra un vero duro. Forse anche troppo. A metà film infatti, del tutto inaspettatamente, si scatena una violenza che visivamente ci richiama le peggiori (o forae le migliori) pellicole  splatter e nel gore  della storia del cinema. Una violenza che lascia lo spettatore basito ma affascinato da ciò che gli si dipana davanti agli occhi.

Gosling in tutto questo sforna una prova da grande attore. Di certo il personaggio non è di facile interpretazione perché molto introverso, tutto richiuso verso l’interno, nascosto agli altri protagonisti e per questo agli spettatori. L’attore è bravo a comunicare solo con un volto quasi del tutto privo di espressioni facciali, imperscrutabile. Una prova che gli varrebbe un premio qui sulla Croisette come minimo e, come già accennato in precedenza, una nomination sia ai Golden Globes sia agli Oscar.

Di sicuro lo vedremo in Italia. Perché un film così non può che piacere. Se il passaparola lo aiuta si può tramutare in una delle sorprese al botteghino italiano di quest’anno. Io ci credo molto.

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La storia è quella di Sungjoon che va a Seoul per incontrare un amico che abita in una zona della capitale. Questi però e irreperibile e mentre vaga alla sua ricerca il protagonista incontra un’attrice che una volta aveva conosciuto. Non sapendo cosa fare si ubriaca in un bar dove una serie di ragazzi, degli studenti di cinema, iniziano a parlare con lui. Una volta oltre il limite decide di andare a trovare la sua ex-ragazza.

Dopo un po’, sebbene non si capisca se si tratti dello stesso giorno oppure del successivo, Sungjoon gira ancora nel quartiere dove incontra nuovamente l’attrice. Alla fine il suo peregrinare lo fa incontrare con il suo amico che è accompagnato da una professoressa e decidono di dirigersi in un bar. Qui il protagonista incontra la proprietaria del locale che per lui assomiglia alla propria ex. Inevitabilemte cerca di sedurla suonando il piano con lei.

Ancora un salto temporale, ancora una volta non è chiaro se sia passata una giornata oppure si stia assistendo a una nuova versione della vicenda. Questa volta il protagonista incontro il suo amico in una biblioteca. Più tardi si incontrano e bevono con un vecchio attore e la professoressa già vista in precedenza nel medesimo bar del racconto precedente. Ancora una volta ubriaco, Sungjoon bacia la proprietaria.

Un film che, come appare dalla scarna sinossi, gioca con sé stesso e con una concezione del tempo ripetitiva, non lineare, che tenta di smontare una storia classica con l’eterno ritorno.

Inutile dire che Hong Sang-soo realizza un buon film. Lo vedremo in Italia? Ne dubito fortemente se non in un qualche festival di cinema orientale.

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A parte che a uno gli verrebbe da domandare al regista e alla produzione come mai abbiano deciso di girare la pellicola in 3D se questo non aggiunge minimamente nulla a nessun aspetto, né alla narrazione, né agli effetti speciali. Il film infatti rimane per la maggior parte del tutto statico e lento.

Non c’è dubbio che questo titolo sia una delle grosse delusioni di Cannes. Le aspettative, sebbene io non sia particolarmente un fan di Miike, che si nutrivano nei suoi confronti, anche vista la prova interessante di 13 Assassini solo qualche mese or sono, sono state tutte rovesciate da un film che non lascia proprio nessuna emozione se non una voglia di appisolarsi sulla seggiola del cinema. Evidentemente il Giappone non è stato troppo fortunato con la scelta dei selezionatori per ciò che riguarda il concorso. E’ facile pensare che la volontà di inserire in competizione per la Palma d’Oro sia Miike che la Kawase sia dovuta unicamente al nome “importante” che i due autori si trascinano con loro. Questa edizione di Cannes ci ricorda ancora una volta come non sempre  il cognome basta per poter realizzare delle pellicole degne di nota.

Nonostante tutto è facile che una distribuzione questo Ichimei la trovi anche da noi dove il film precedente del regista sta per essere portato sul grande schermo durante il periodo estivo, quando, in teoria, la gente, anche quella che va al cinema, trova di meglio da fare.

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Scritto con Umberto Contarello, narra la storia di Cheyenne, una rockstar  new wave/goth famosa durante gli anni Ottanta, ora caduta del dimenticatoio, che se ne vive a Dublino con la moglie in una villa immensa e praticamente deserta, scimmiottando sé stesso, ancora conciato come i tempi d’oro – Penn ricorda indubbiamente nell’aspetto Robert Smith di The Cure e nell’atteggiamento, la voce e il modo di trascinarsi in giro, non lo definirei certamente camminare,  Ozzy Osbourne. In seguito alla morte del padre, deportato in un campo di concentramento durante la Seconda Guerra Mondiale, dopo il suo funerale a New York, il musicista si mette sulle tracce di un nazista a cui il padre aveva dato la caccia invano tutta la vita perché era stato uno dei suoi aguzzini in Germania. Seguendo i diari e gli scritti lasciati dal proprio genitore Cheyenne si avvia lungo un viaggio nell’America più rurale che non solo lo porterà a trovare quello che cerca ma soprattutto se stesso.

Sebbene Sorrentino sia un regista che deve molto a un certo tipo di cinema made in USA già per sua natura, questo This must be the place è sicuramente il più americano dei suoi film. Non solo perché è girato per la maggiorparte  oltreoceano e parlato tutto in inglese quanto per il tipo di storia che narra. Il tema del viaggio alla ricerca di qualcosa o qualcuno – metafora di un’altro tipo di viaggio, corrispettivo, dentro il proprio io più nascosto – è un classico archetipo che buona parte di Hollywood ha utilizzato spesso nel tempo e la spina dorsale della pellicola si basa proprio su questo. Un tema d’altra parte non nuovo nemmeno per Contarello – molte sue sceneggiature infatti lo ripresentano – ma quasi una novità per Sorrentino i cui film precedenti mostravano una “sedentarietà” maggiore e nei quali i personaggi sembravano quasi ingabbiati dagli spazi che abitavano e vivevano. Cheyenne stesso si trova rinchiuso nella sua immensa e vuota casa o nel centro commerciale di Dublino che frequenta ma quando arriva negli Stati Uniti la sua sedentarietà lascia il posto a un movimento continuo – ottima l’idea di accompagnare il personaggio di Penn sempre da un oggetto che si trascina, un carrello della spesa oppure un trolley. Vi è un cambiamento di prospettiva perché il film a un certo punto  ha un svolta decisa e diviene un vero e proprio road movie. In effetti si sente una differenza netta nella narrazione tra l’Irlanda e gli Stati Uniti, una discrepanza che fa quasi percepire allo spettatore la sensazione di trovarsi di fronte a due film diversi: uno più intimista, la prima parte, e uno più archetipico, appunto, la seconda. Inoltre alcune immagini poi sono degli omaggi veri e propri a uno dei registi americani, Tarantino, preferiti dal nostro, primo fra tutti il dettaglio di un piede a cui vengono colorate le unghie.

A livello registico sempre il solito Sorrentino: carrelli, dolly, steady-cam. La scena visivamente più bella è senza dubbio quella del concerto di David Byrne – anche autore delle musiche del film – un piano sequenza lungo quanto la canzone che viene cantata sul palco e che presenta una coordinazione perfetta tra i movimenti di camera – un carrello all’indietro con dolly – e il movimento in verticale e orrizzontale di una parte del palcoscenico stesso.

L’unica nota negativa è che per vederlo in Italia toccherà aspettare il 14 Ottobre quando Medusa, distributrice e co-produttrice del film con Indigo e Lucky Red, ha deciso di distribuirlo. Peccato. Speriamo in un ripensamento in caso di vittoria di un premio importante.

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Questi alcuni dei film in programma oggi nelle varie categorie:

This Must Be The Place di Paolo Sorrentino (En Compétition)

Drive di Nicolas Winding Refn (En Compétition)

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Molto in breve la storia è ambientata nella regione di Asuka che è considerata il luogo in cui la patria giapponese è nata. In quei posti, in tempi antichi, le persone vivevano la loro esistenza secondo un canone del tutto dimenticato nel mondo presente, quello dell’attesa. Oggi, infatti, coloro che abitano il mondo, soprattuto quella terra d’oriente, paiono essersi scordati del tutto del concetto di attesa a scapito di una concezione di un futuro che è un eterno presente che, per di più, ognuno è libero di realizzare secondo il proprio volere. In tempi antichi invece gli abitanti di Asuka credevano che le montagne – che ancora oggi svettano immutate – fossero i luoghi in cui abitassero gli dei, esse stesse l’espressione del karma umano. I protagonisti della storia sono però due persone che abitano nel nostro presente, Takumi e Kayoko che si sono trovati ad essere gli eredi delle speranze non completate dei loro nonni e a vivere le vite di questi ultimi. Vivono, insomma, una storia che si protrae da un’età immemore, rappresentando le anime che hanno solcato quella terra.

Ora ditemi voi se una storia del genere non concili il sonno solo alla lettura della breve sinossi!

Lo vedremo in Italia? Forse. Roba da Festival e per appassionati. Non aspettatevi inutili distribuzioni su grossa scala.

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