La storia è alquanto semplice: una lei di una coppia di giovani sulla trentina decide di prendere una pausa nel loro rapporto. Lui le chiede insistentemente per quanto a lungo abbia intenzione di non vederlo ma riceve soltanto una risposta vaga e temporalmente indefinita. Da qui in poi lo spettatore seguirà la vita di tutti i giorni del ragazzo che attraverso una serie di incontri, narrativamente sono staccati l’uno dall’altro, lo porteranno a (o meglio gli faranno passare il tempo in attesa de) l’incontro con la sua fidanzata una volta che la pausa si sarà conclusa.

Il problema di fondo del film risiede proprio alla sua base, in fase di concepimento. Se anche nel lungometraggio di Bela Tarr la storia è ridotta all’osso – divenendo oltretutto mano a mano sempre più staccata da una componente realistica – a differenza della pellicola del regista ungherese questo Un Mundo Misterioso manca totalmente di una direttiva drammatica che l’esperto regista magiaro ha invece sempre ben presente. Il pubblico si dimentica ben presto del concetto metafisico che Moreno vorrebbe indagare, la natura del tempo e della temporalità, esplicato a forza nella prima scena del film. Scordandosi dunque ben presto il motivo per cui si sta vedendo la pellicola, lo spettatore viene preso da un senso di estraniamento che non si addice all’arte cinematografica e che lo spinge costantemente a uscire dall’immedesimazione con ciò che accade sullo schermo per chiedersi il perché di tutto ciò. Solo nell’ultima scena, quella del primo incontro tra i due in seguito alla pausa forzata del rapporto, chi guarda ha finalmente un dejavu che gli permette di ricostruire mentalmente il film secondo un ordine logico e ragionato. Senza dubbio, però, risulta essere troppo tardi e allo spettatore, ormai già mortalmente annoiato da un bel po’ di tempo, non rimane altro che esclamare un “ah, già, è vero”.

Pellicola girata tutta secondo crismi del cinema indipendente, composta da lunghi piani sequenza in cui la macchina stenta a muoversi, Moreno punta tutta l’attenzione sulle performance degli attori che indubbiamente sono bravi a fingere di “non-recitare” replicando comportamenti al limite del banale e dell’ovvio, ovvero quanto di meno cinematografico possa esistere.

Una cosa è certa: non aspettatevi dei premi.

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Teoman, qui alla seconda prova da regista, dopo l’esordio nel 2008 sempre alla Berlinale, produce una pellicola fuori dagli schemi. Dove lo spettatore si aspetterebbe il conflitto lui opta per l’opposto, la conciliazione. Nonostante i due uomini siano entrambi innamorati della medesima ragazza, non scoppia mai un litigio tra di loro che non rientri nella normale diatriba quotidiana. Il sentimento affettivo non viene mai sublimato se non in maniera platonica, spostandolo più verso uno di tipo familiare. Entrambi diventano quasi i secondi padri della ragazza che solo grazie alla loro presenza riesce a rifarsi una vita.

La pellicola diverte, nonostante una leggera tristezza di fondo e alcuni momenti drammatici. I personaggi riescono a non cadere nello stereotipo sebbene siano comunque caratterizzati secondo canoni ben precisi: uno scrittore dall’animo gentile, un impiegato il cui vero amore è la cucina e la ragazza della porta accanto, il vero angelo catartico di tutta la pellicola. Il regista è riuscito a trovare non solo la giusta distanza nello sguardo sui suoi personaggi quanto una chiave che si può definire inedita su una tematica, il triangolo amoroso, stra-abusata dalla settima arte nel corso del tempo. L’esatto opposto di ciò che ha fatto la July con The Future, nel quale la vicenda dei rapporti amorosi a tre è affrontata secondo i binari più classici.

Film che è piaciuto alla stampa, visti anche gli applausi a fine proiezione, certamente può anche essere apprezzato dal pubblico non specializzato. Una di quelle pellicole che potrebbero trovare una distribuzione in Italia se qualcuno credesse nel progetto.

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Circa venti sequenze girate in bianco e nero e con lunghi piani sequenza di una bellezza fotografica disarmante in due ore e mezza di film. Nonostante i ritmi non sostenuti l’attrazione delle immagini è tale da catturare ugualmente l’attenzione dello spettatore. Certo non una pellicola per lo spettatore medio abituato a ben altro tipo di cinema ma un lungometraggio che difficilmente non si vedrà assegnato un premio da parte della giuria. Nel caso lo si trovasse per vie non ufficiali vedetelo anche se non può rendere come sul grande schermo. I dialoghi sono pochissimi e anche inutili per comprendere ciò che accade.

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The Future di Miranda July è la controprova di quanto affermato fino a ora. Dopo Yelling to the sky anche il secondo prodotto Sundance delude le aspettative. Un racconto pretestuoso sullo sfaldamento di una coppia poco oltre i trent’anni descritta secondo più canoni e registri – dal reale al surreale passando per il fantasioso e l’onirico – che però non morde mai. La tematica non è di certo nuova. In questi casi il più delle volte ci si lamenta del fatto – come per l’altra pellicola proveniente dal Festival americano qui in concorso – che tali storie non sono raccontate in maniera differente e nuova ma che si replicano cliché e schemi che funzionano alla perfezione e che, il più delle volte, però, decadono nello stereotipo. Certamente la July non soffre di questo problema ma esattamente del suo contrario. Vi è come una voglia di strafare che strozza il film. Il presentarsi in massa e in maniera incontrollata di così tanti elementi nuovi e contemporaneamente crea una confusione disordinata che non solo incasina il film stesso dal punto di vista estetico ma anche da quello della diegesi. Lo spettatore non capisce più a cosa stia assistendo, se a un ricordo, un sogno, la realtà, una fantasia.  Si prova una perdita di orientamento con un effetto che, se voluto, è stato reso assai male dalla regista. La mancanza di direzione rende insopportabile una pellicola della durata di soli novanta minuti scarsi, un’impresa assai ardua da compiere. Manca del tutto un punto fermo verso cui il film tenda, una direzione e una strada da seguire che spieghi il modo in cui questa coppia si divide e il perché. Ok, i protagonisti sono due disadattati che passano più tempo online che non nella vita reale ma poi, improvvisamente, e senza apparente motivo, la pellicola va in molte altre direzioni. Una di queste è un gatto con una zampa fasciata che parla ogni tanto in voice over. No, per fare solo un esempio di quanto detto. Ci si chiede davvero il motivo di tutto ciò senza però trovare una spiegazione. Anche degli applausi di una parte del pubblico alla fine della proiezione per la stampa.

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Il film ci racconta qualcosa in più di un paese che, a molti, può sembrare chiuso e lontano ma che, al contrario, se conosciuto, appare assai simile all’Occidente. I problemi che questi personaggi provano sono uguali a quelli esperiti da tutti noi nella vita quotidiana. In fin dei conti si tratta di persone che fanno fatica ad amare, ad andare d’accordo, a stare assieme e che, nonostante il regime teocratico vigente, non possono rinunciare ad accettare e affrontare tutto ciò. Girato con molto tatto, scritto con altrettanto – i personaggi sono sempre credibili e non cadono mai nel pericolo di presentarsi in maniera macchiettistica o stereotipata, soprattutto il marito religioso, il più a rischio tra tutti loro – le due ore del film scorrono assai veloci e senza una benché minima sbavatura o disattenzione da parte del regista.

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Film sicuramente buonista che però riesce lo stesso a far sorridere per le varie situazioni divertenti che gli sceneggiatori hanno inventato. Ognuna delle donne è caratterizzata a suo modo, secondo  una chiave forse stereotipata ma perfetta per la commedia di genere: c’è la religiosa, quella che punta a sposarsi con un francese benestante, la comunista avversa al regime fascista di Franco, la donna anziana e saggia (una brava Carmen Maura), quella che viene picchiata e lascia il marito e, infine, Maria, la bella che fa perdere la testa a Jean-Louis.

Difficilmente in lizza per il premio finale Les femmes du 6ème étage si rifarà sicuramente al botteghino avendo tutte le premesse per far registrare un buon successo di pubblico, in Francia come all’estero. Assai probabile che in questa stagione o nel prossimo autunno possa apparire anche sui nostri schermi.

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Incomprensibili il giorno dopo le tre stelle su quattro che certi giornalisti hanno affibbiato al film che risulta, secondo il mio umile giudizio, il più brutto visto fino a ora in Concorso.

No proprio no. L’esordio alla regia di Ralph Fiennes merita un pollice verso. Questa trasposizione cinematografica del Coriolano di Shakespeare non convince nella maniera più assoluta e da diversi punti di vista. Primo tra tutti la regia. E’ troppo evidente che Fiennes sia un esordiente. La pellicola è piena di errori dovuti all’inesperienza. Le scene peggiori sono nettamente quelle di combattimento in cui pare di assistere a una di quelle produzioni televisive nelle quali, per ristrettezze di budget, l’azione è alquanto statica e del tutto priva di alcuna credibilità. Inoltre a tratti si ha la sensazione che Fiennes tratti il proprio protagonista – interpretato da lui stesso – alla stregua di Rambo. La sequenza in cui Coriolano avanza da solo, fucile d’assalto spianato, privo di elmetto e sporco di sangue, tra i nemici che cadono ai suoi piedi colpo dopo colpo ricorda i momenti migliori (o peggiori, dipende dai punti di vista) dei film d’azione che vedono protagonista la copie bionda di Sylvester Stallone, Dolph Lundgren. Ancora più insopportabile risulta però l’amore che Fiennes ha per se stesso. Il film è un continuo susseguirsi di primi piani dell’attore/regista che dimostra di essere eccessivamente malato di narcisismo. E’ vero che Coriolano è il protagonista principale ma tutta quella attenzione quasi morbosa per il proprio viso non è necessaria. Soprattutto per il fatto che per una buona metà della pellicola Fiennes urla come un matto. Anche in questo caso tutto ciò risulta oltre i limiti della decenza e del buon gusto. Il regista cade nella trappola di realizzare un’opera cinematografica avendo in mente però la sua rappresentazione teatrale. Se sul palcoscenico una certa impostazione, soprattutto nei confronti dei testi di Shakesperare, può risultare necessaria, al cinema una cosa del genere stroppia. In particolare ancora di più se il setting in cui è ambientata la vicenda non è l’antica Roma ma un mondo moderno simile al nostro. Fin troppo simile direi. Del libretto originale rimangono soltanto i nomi di Roma e dei Volsci. Se la prima è raffigurata in modo da essere riconoscibile come una trasposizione dell’esercito e della cultura americana – la città pare Washinton D.C. – i barbari Volsci sono il corrispettivo delle armate Cecene in lotta contro la Russia. Vi sono poi elementi troppo “semplici”, verso i quali  non pare vi sia stata una riflessione approfondita ma solo superficiale. Il più lampante di questi è la trasposizione del Foro romano in tribuna politica televisiva con tanto di popolo presente in studio nel ruolo di spettatore. Caro Mr. Fiennes qualcosa di più facile e immediato non c’era mica?

Incomprensibili il giorno dopo le tre stelle su quattro che certi giornalisti hanno affibbiato al film che risulta, secondo il mio umile giudizio, il più brutto visto fino a ora in Concorso.

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Sicuramente un buon film. Credo il miglior dei russi visti alle ultime edizioni dei tre Festival maggiori. Sarà anche perché in questo un po’ di azione faceva capolino? Che riserve qualche sorpresa per il premio finale?

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Herzog non si accontenta però solamente di documentare quel luogo. Essendo prima di tutto un regista, come tale racconta una storia. Egli si mette sulle tracce di coloro che avevano prodotto quei dipinti, cerca di comprendere chi fossero e il motivo che li ha spinti a disegnare quelle rappresentazioni. Attraverso le stesse immagini – riprese con un telecamera in 3D da una crew di sole quattro persone – e le interviste ai ricercatori e ai professori che da anni studiano la grotta ne esce un film che colpisce chi guarda, rapendolo in un viaggio che sembra riportarci indietro nel tempo. La domanda che sorregge tutta l’opera è indubbiamente quella che da sempre colpisce l’uomo: chi siamo? Herzog conduce un’indagine alle radici dell’umano attraverso le rappresentazioni dei suoi sogni, entrando in una dimensione quasi freudiana, da interpretazione dei sogni. E’ proprio l’investigazione su qualcosa di così dichiaratamente umano ad affascinare lo spettatore.

Una grande parte di tutto questo – probabilmente la sorpresa maggiore che la pellicola riserva – lo si deve all’uso, finalmente ragionato, della tre dimensione. Qui il 3D è davvero necessario al racconto, al passaggio di un’emozione dallo schermo allo spettatore. Ciò lo si capisce in maniera inequivocabile da una inquadratura che può essere presa a manifesto. Herzog ci mostra le primissime riprese effettuate dalla troupe durante la discesa di prova nella caverna. Queste appaiono di bassa qualità perché effettuate con una telecamera non professionale. Non solo appaiono abbastanza scure e dai colori non ben definiti ma, soprattutto, in due dimensioni. Tutto risulta, ovviamente, piatta, uguale. L’inquadratura si sofferma su una roccia sulla quale sono presenti delle pitture. Sinceramente, in quel modo, il dipinto non provoca nessuna emozione, perché ciò a cui si assiste è unicamente una documentazione di un oggetto. D’un tratto però una dissolvenza incrociata ci porta dall’inquadratura della telecamera in 2D a quella in tre dimensioni ed ecco che improvvisamente tutto cambia. La spazialità e la profondità accendono l’immagine. Ecco le linee che fuggono nello spazio, che ricreano la grotta, dando una sensazione di presenza così reale da farci sentire quasi come se fossimo presenti in quel mondo sotterraneo.

Qual è la differenza con Pina di Wenders? Presto detto, la diegesi. L’opera di Herzog, sebbene probabilmente destinata alla televisione, è stata concepita proprio come un film, documentario, vero, ma sempre di Cinema si tratta. Il regista tenta fin dall’inizio di costruire una vicenda che contenga appeal per lo spettatore e ci riesce utilizzando tutti gli strumenti tecnici a sua disposizione nel migliore dei modi. Wenders non si pone invece il problema della storia che infatti viene del tutto a mancare. Sebbene siano entrambi ben fatti, inutile dire che tra i due scelgo Herzog tutta la vita.

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